Catégorie : On connait la chanson

En ce 8 mars, journée internationale des droits des femmes, comment ne pas parler de « La grenade », chanson qui est devenu un hymne du féminisme ? Je vais tout vous dire sur ce magnifique titre de Clara Luciani, nouvelle icône de la pop culture.

Les paroles de La Grenade de Clara Luciani

COUPLET 1
Hé toi !
Qu’est-ce que tu regardes?
T’as jamais vu une femme qui se bat
Suis-moi
Dans la ville blafarde
Et je te montrerai
Comme je mords, comme j’aboie

REFRAIN
Prends garde :
Sous mon sein, la grenade
Sous mon sein, là, regarde
Sous mon sein, la grenade
Prends garde :
Sous mon sein, la grenade
Sous mon sein, là, regarde
Sous mon sein, la grenade

COUPLET 2
Hé toi !
Mais qu’est-ce que tu crois?
Je ne suis qu’un animal
Déguisé en madone
Hé toi
Je pourrais te faire mal
Je pourrais te blesser, oui
Dans la nuit qui frissonne

REFRAIN

COUPLET 3
Hé toi
Qu’est-ce que tu t’imagines?
Je suis aussi vorace
Aussi vivante que toi
Sais-tu
Que là sous ma poitrine
Une rage sommeille
Que tu ne soupçonnes pas.

REFRAIN

Carte d’identité de la chanson La Grenade

Auteure Compositrice : Clara Luciani
Producteur : Benjamin Lebeau
Réalisateur : Ambroise Willaume
Année de sortie 2017

L’histoire de « La grenade » de Clara Luciani

Une artiste expérimentée

Clara Luciani, malgré son jeune âge, a déjà quelques heures de vol : avant d’être connue sous son nom « Clara Luciani », elle a notamment été la chanteuse du groupe « La femme ».
 Sa grande sœur Léa (alias Elha) a remporté « Popstars en 2013 avec le groupe « The Mess ».
Je vous invite à l’écouter ici : la sororité est flagrante!

Depuis, Clara Luciani a épousé le chanteur du groupe britannique « Franz Ferdinand »,
Donc le studio et les concerts, elle connait !

Alors : ça me coûte de le dire, mais dans le monde de la musique et de la chanson comme ailleurs, les gros relous, ça existe ! J’en ai personnellement croisé quelques beaux exemplaires au hasard des studios ou des backstages. Par bonheur il ne s’agit pas d’une généralité systémique comme on peut le voir dans le cinéma.

C’est ainsi que Clara Luciani, échaudée par quelques crétins suffisants qui sous-estimaient ses talents, s’est fendue d’un coup de gueule musical avec ce cri qu’est « la grenade » même si le déclencheur a été en réalité un chagrin d’amour.

Une grenade à retardement

Le moins que l’on puisse dire, c’est que « La grenade » n’a pas tout de suite explosé les ventes !
Car le titre est sorti le 9 décembre 2017.

Et là, savez-vous ce qu’il s’est passé ? Rien ! Pendant plus d’un an !
Il a fallu attendre le 12 janvier 2019 pour que le titre se hisse péniblement à la 187^ème place des ventes.

Ensuite, tout s’accélère : Dès le 22 février, « La grenade » s’installe solidement dans les 30 meilleures ventes et il n’en bougera plus durant 6 mois ! C’est le boum !

La suite, on la connait : En France, 1^ère place des téléchargements, 2^ème des ventes, 6^ème des diffusions radio. En Belgique, 2^ème à l’Ultratop en Belgique, et 7^ème en Suisse.
Plus deux Victoires de la musique, en 2019 et 2020 ! Puis une troisième en 2022 !

Accessoirement, « La grenade » a même été repris par le groupe Metronomy.
Le résultat : UN MASSACRE !
A mon avis, la grenade a dû exploser au moment de l’enregistrement. C’est blindé de fausses notes, la grille d’accord est fausse, Les harmonies sont fausses, bref c’est pire que moche ! Passons…

Les hommes de l’ombre :

Talleyrand disait :
« Derrière chaque grand homme, il y a une femme ».

Cette fois-ci, la parité est respectée ! Car
« Derrière la grande Clara Luciani, il y a un homme »
…et même trois hommes !

Benjamin Lebeau, Ambroise Willaume, Pierre Elgrishi.
Leurs noms ne vous disent rien ? Pas d’inquiétude : je vais vous les présenter plus loin !

La recette de « La grenade » de Clara Luciani

Les Paroles

Un accroche imparable

D’entrée, Clara nous hèle avec ce génial « Hé toi ! » qui capte instantanément l’attention.
Tout au long des couplets, le texte est une suite d’interpellations sous forme d’interrogations rhétoriques assez animales qui s’adressent à un homme qu’on imagine irrespectueux.
Le tout sur un rythme syncopé, saccadé, qui appuie le propos.

Des ruptures de rythme

Le Refrain quant à lui est très différent, tant dans les paroles que dans la musique.

Clara parle cette fois d’elle-même.

On comprend naturellement l’analogie entre le sein féminin, symbole de vie, et la grenade dont la forme est comparable, mais qui peut tuer. Sous le sein se trouve également le cœur. Voilà pour le fond.

Un coup de génie

Ce n’est pas tout !
Parlons de la forme : car au 3^ème vers intervient une relance absolument géniale :
Au moment où l’on pense que Clara va répéter :
« la grenade » elle dit au contraire : « là, regarde ! ».
Effet de surprise et de sidération !
On prend conscience de la dangerosité de cette femme qui nous a piégé au détour des mots ! En effet, ce n’est qu’à posteriori qu’on comprend qu’elle n’a pas dit « la » (article féminin), mais « là » (adverbe), en nous interpellant une nouvelle fois avec son « regarde », comme on exhibe une arme, pour bien nous montrer qu’elle ne bluffe pas.
Et pour finir, elle revient sur :
« Sous mon sein la grenade » comme si elle dissimulait à nouveau son explosif, prête à l’utiliser. Du pur génie !
Au passage, on remarque que si la rime « reGARDE/greNADE » est approximative, elle nous renvoie aussi à « prends GARDE », qui est une rime riche.
Comme dit le grand Claude Lemesle, le sens doit primer sur la rime !

La musique

La ligne de basse

Que serait « La grenade » sans sa magnifique ligne de basse qui rappelle à la fois les mythiques basses pop londoniennes des sixties et les basses US funky syncopées des seventies. J’adore !
C’est ici qu’intervient notre premier « homme de l’ombre » : Pierre Elgrishi, dit « Pierre Grizzli » (ou « Pierre » tout court). Car le bassiste, c’est lui !
Son secret ? Mettre les notes en syncope, c’est à dire non pas sur le tempo, mais « en l’air », entre les temps !

Et quand on écoute ses chansons, on s’aperçoit qu’il y a un air de famille musical avec Clara !

Une structure contrastée

Des couplets hachés et descendants

Les couplets sont syncopés, hachés, dépouillés. Cela conforte le côté agressif et animal du discours, et met en avant les paroles, puisque c’est le moment où Clara nous interpelle.
Les couplets sont construits sur des lignes mélodiques et harmoniques descendantes (les notes descendent la gamme, de plus en plus bas).
Les accords descendent tout simplement DO SI LA SOL (je vous fais grâce des modes et altérations)

Des refrains liés et montants

A l’inverse des couplets, les refrains sont liés, la mélodie est fluide, mais elle est puissante.
C’est le moment où Clara parle d’elle-même, avec cette douceur qui cache une grande force. Ici encore, la musique est en cohérence totale avec le propos :
Cette fois, c’est une succession de montées, qui elles-mêmes montent de plus en plus haut :
On dirait des vagues de plus en plus hautes : jusqu’au MI, puis au FA, au SOL et au LA !
On part de la tierce (3ème note de la gamme) sur « Prends garde ».
On monte ensuite jusqu’à la quarte (4ème note), puis un peu plus jusqu’à la quinte (5ème note) enfin encore plus jusqu’à la sixte (6ème note), pour redescendre brutalement sur une inquiétante dernière note grave.

Ici intervient le deuxième « homme de l’ombre » : Ambroise Willaume, le réalisateur. On lui doit une bonne partie des arrangements. Ces contrastes, c’est lui qui les a impulsés.

Vous pouvez écouter ici Ambroise Willaume avec son groupe « Astral Bakers ». Là encore, le son de la Fender Jaguar nous rappelle l’univers de Clara Luciani.

Une production ciselée

Le troisième « homme de l’ombre », c’est le producteur : Benjamin Lebeau (en photo). C’est lui le maître du son, celui qui inspire et contrôle les lignes générales de l’enregistrement.
Il a notamment produit Julien Doré, Woodkid, Cœur de Pirate, Gaëtan Roussel, Lou Doillon, Raphaël… pour ne citer qu’eux !

Il a désormais installé son studio d’enregistrement et de production en Ardèche, bien loin du stress de la capitale où il travaillait jusque-là.

A vous de jouer

Je vous propose, en cette journée internationale des droits des femmes, d’écrire un très bref texte féministe qui commence par une interpellation.

La consigne : une interpellation (comme Hé toi !), puis deux vers choc qui riment.

Attention, pas de propos insultant ni sexiste : féminisme ne signifie ni grossièreté ni misandrie !
Ecrivez votre texte en commentaire.

Pour aller plus loin

Si vous êtes auteur-compositeur, vous pouvez poursuivre le travail.
Le petit texte que vous venez de créer constitue un début de couplet.
Poussez plus loin en écrivant d’autres formules sur le même schéma qui vont construire une chanson.
Pour le refrain, parlez de vous, comme le fait Clara Luciani.
Enfin, si vous êtes musicien.ne, essayez de créer une ligne de basse efficace qui servira de support au couplet. Soyez simple : peu de notes. Ce qui compte ici, c’est la syncope.

En conclusion

Clara Luciani nous démontre s’il en était besoin que la musique et la chanson ne sont pas l’apanage d’un genre. Les artistes (et notamment dans le domaine de la chanson) sont sans doute les individus en qui la dualité masculine/féminine est la plus présente. Et c’est très bien ainsi. Ce qui compte, c’est le croisement des sensibilités, d’où qu’elles viennent.

Multiplions nos collaborations, dans le respect et l’harmonie !

Vive le 8 mars, journée internationale des droits des femmes, et

Vive la Chanson !

En 1961, à tout juste 20 ans, Hugues Aufray sort le titre qui lancera sa carrière : « Santiano ». Cette adaptation d’un chant de marins anglais va propulser le jeune chanteur au firmament de la chanson française. Et depuis plus de 60 ans, il n’en est jamais redescendu !
Quant à Santiano… tout comme Hugues, cette chanson va connaître une carrière fantastique !
Je vous propose de découvrir les secrets du succès intemporel de cette chanson.
Mais d’abord, les paroles :

Les paroles de « Santiano » de Hugues Aufray

COUPLET 1

COUPLET 1
C´est un fameux trois-mâts fin comme un oiseau
Hissez haut ! Santiano !
Dix huit nœuds, quatre cents tonneaux
Je suis fier d´y être matelot

REFRAIN
Tiens bon la vague et tiens bon le vent
Hissez haut ! Santiano !
Si Dieu veut toujours droit devant,
Nous irons jusqu’à San Francisco

COUPLET 2
Je pars pour de longs mois en laissant Margot
Hissez haut ! Santiano !
D´y penser j´avais le cœur gros
En doublant les feux de Saint-Malo

REFRAIN

COUPLET 3
On prétend que là-bas l´argent coule à flots
Hissez haut ! Santiano !
On trouve l´or au fond des ruisseaux
J´en ramènerai plusieurs lingots

REFRAIN

COUPLET 4
Un jour, je reviendrai chargé de cadeaux
Hissez haut ! Santiano !
Au pays, j´irai voir Margot
A son doigt, je passerai l´anneau

DERNIER REFRAIN
Tiens bon le cap et tiens bon le flot
Hissez haut ! Santiano !
Sur la mer qui fait le gros dos,
Nous irons jusqu’à San Francisco

1961 : Hugues Aufray chante « Santiano »

Hissez Haut, Iceo, Hisse et Ho, Isseo ?

Hissez, Icé, Issé…? Y sait rien du tout, oui !
On voit de tout dans les « aurtografes » de cette expression, que certains prennent même pour le titre de la chanson ! Alors, une bonne fois pour toutes :

C’est un lecteur, Roland Goutaudier, qui nous apporte la réponse :
« J’écris  « Hissez haut ». Cela signifie j’envoie toute la toile jusqu’en haut du mât ,(pas à moitié et en me servant des ris qu’il y a sur les voiles que l’on attache à la bôme pour tendre la voile dans ce cas ) puisque le temps le permet . »
Merci Roland pour cette contribution ! J’ai des lecteurs formidables !

Les origines de « Santiano »

Au départ, « Santiano » est un chant de marins anglais du 19^ème siècle. Concernant son origine précise, chacun y va de sa petite explication : je cite en vrac Santa Anna, président du Mexique, ou Sainte Anne, patronne de la Bretagne et des marins bretons, Santianna, ou Santy Ano, c’est selon…
Une chose est sûre : dans la chanson originale, le bateau se rend au Mexique ! Mais pas notre Santiano francophone, qui lui va à San Francisco, à quelques encâblures de là.

L’histoire du « Santiano » de Hugues Aufray

En 1958, Hugues Aufray découvre cette chanson sous le titre de « Santy Anno », interprétée par le Kingston Trio, un groupe américain (oui je sais, San Francisco, Kingston, le Mexique, c’est un peu confus tout ça).
En tout cas, pour Hugues, c’est le choc ! Ecoutez ça :

Le parolier de « Santiano »

C’est Jacques Plante (alias Harold Jeffries, alias William David) qui écrira l’adaptation française de ce chant de marins anglais.

Jacques Plante, c’est l’auteur de « For me Formidable », « J’entends siffler le train », « Vieille canaille », et des centaines d’autres tubes.
Il a écrit pour les plus grands : Marcel Amont, Christophe, Dalida… et même Edith Piaf !

La recette de la chanson « Santiano »

Chronologiquement, c’est bien sûr la musique qui est apparue en premier, puisqu’il s’agit d’un chant traditionnel ancien, purement vocal. C’est donc par là que nous allons commencer.
En voici une magnifique interprétation :

La musique de « Santiano »

Cela s’entend tout de suite : « Santiano », c’est de l’authentique. Un vrai chant de marins !

Une musique simple

« Santiano », c’est d’abord une mélodie simple, avec une envolée, des notes tenues, des paroles répétitives. On dirait aujourd’hui que c’est un « chant de stade » : tout y est !

Un chant de travail

Autrefois, il n’était pas rare que les chants rythment le travail. Difficile à imaginer aujourd’hui face à nos ordinateurs ! Eh oui : la musique donne de la force et du courage ! Ainsi, les chants de marins accompagnaient (et accompagnent encore parfois) les dures manœuvres de l’équipage.

Un chant à répondre

C’est la dernière grande caractéristique de ce type de chant : un meneur « raconte » seul l’histoire.
Et tandis qu’il reprend son souffle, ses camarades répondent, soit en répétant, soit (comme c’est le cas ici) en chantant un refrain ou un gimmick.
La chanson se relance ainsi perpétuellement.

Couplet et refrain : même combat !

La musique du couplet et celle du refrain sont les mêmes. Voilà qui simplifie encore la tâche des chanteurs et qui apporte de la cohésion à toute l’équipe.

Donner de la voix !

Enfin, ce type de chant offre à chacun une grande liberté pour laisser aller sa voix : double voix, tierce, quinte, octave, reprise en écho, tout y passe, et surtout, surtout : tout est beau, car chacun y trouve sa place, et l’effet de groupe fait le reste !

Les Paroles

 « Santiano » : une chanson monorime

La première caractéristique de cette chanson est qu’elle n’a quasiment qu’une seule rime. Et pas n’importe laquelle : une rime en « O ».
La rime en « O », c’est la garantie d’un chant qui va entrainer le public.

De nombreux tubes destinés à être chantés par le public intègrent des « OOoo ». De « Englishman In New York » de Sting, à « Mandela Day » de U2, Les exemples sont innombrables, sans parler du premier tube de Magic System « Premier Gaou » dont tous les vers sont conclus par le phonème « O » !
ET d’ailleurs, le public lui-même ne chante-t-il pas spontanément « Wo-o-o-O-o » pour les rappels ?

« Santiano » : des paroles énigmatiques

Une grande partie de la magie de cette chanson vient du côté mystérieux des paroles du refrain :
Dès le départ, on sait que le bateau tient bon la vague et tient bon le vent.
Charge au capitaine de tenir bon la barre et aux fiers matelots d’en tenir bon les voiles, Hugues Aufray se charge de tenir bon le chant.

Hisse et oh, Santiano !

Cette belle séquence vocale nous emmène déjà en voyage.
Vous savez déjà ce que signifie « Hisse et oh », et nous avons parlé de la puissance de la rime en « O ».
Mais qu’en est-il de « Santiano » ? Est-ce le nom du bateau, de son capitaine, de la destination finale ? L’histoire se garde bien de nous le dire, laissant notre imagination faire le reste. C’est un procédé connu en chanson, qui fonctionne (presque) toujours !
Et ce n’est pas tout !

18 nœuds, 400 tonneaux

Avec cet obscur jargon de marin (est-ce la cargaison, un code, un trafic ?), Santiano nous emmène directement à bord sans mode d’emploi, comme un mousse embarqué malgré lui dans une grande aventure.
On parle en fait de la vitesse du bateau : 18 nœuds, soient 33km/h. Un bon rythme pour un voilier de cette époque, surtout au regard de son volume : 400 tonneaux !
Le tonneau, c’est l’unité de volume de la marine à l’époque (d’où le tonnage). Un tonneau fait 100 pieds-cubes, soient presque 3 mètres-cubes. Santiano est donc capable de transporter 1200 m3. Un bon tonnage international !

« Santiano » une histoire romantique

Le reste des paroles nous fait tout autant rêver : un marin qui laisse sa belle pour de long mois, et qui la retrouvera –si Dieu le veut- chargé d’or pour l’épouser.

La force du dernier refrain

Le dernier refrain est un peu différent des précédents. Ce procédé permet, tout en relançant l’intérêt, d’annoncer la conclusion.

Mais ici, Jacques Plante va encore plus loin :

Plus loin dans le sens des mots : la mer « fait le gros dos », l’affaire n’est donc pas gagnée pour nos marins.

Plus loin dans le son des mots, puisque la seule rime de la chanson qui n’était pas en « O » (le vent) l’est désormais.

Par la conjugaison de ces deux effets, Jacques Plante nous emmène en haute mer. Du pur génie !

« Santiano », chanson aux multiples versions

Outre la magnifique version des Marins d’Iroise présentée juste avant, il existe de nombreuses variantes de « Santiano ». Je vais vous présenter les plus intéressantes.
On laissera de côté les versions plutôt insipides de la Star Académy et de Kids United, dont les aspirations relèvent plutôt…. de la marine marchande !
De la même façon, la version contemplative de Laurent Voulzy, même si elle apporte un éclairage nouveau, a perdu tout le sel (marin) de ce chant.

Le groupe allemand « Santiano » propose avec Nathan Evans une incontournable version très « marine », en anglais mais avec des paroles réécrites. Splendide !

Le groupe français « Celtic Fantasy » apporte une touche intéressante avec un motif rythmique original joué à la cuillère, et surtout un petit changement harmonique du meilleur effet. A découvrir !

Des remix techno ont bien sûr été réalisés !
Dans un style plutôt extrême, voici le bourrinesque D-Frek Frenchcore remix, à ne consommer qu’après avoir absorbé des substances psychotropes. Gare à ne pas passer au travers du pont !

On s’attardera un instant (ou pas) sur la seule version féminine de cette chanson, avec Angel Lyne. Hum, malgré l’autotune je préfère encore embarquer sur le Titanic avec Céline Dion !

Mais LA PLUS BELLE VERSION, c’est bien sûr celle que vous et moi chantons depuis des décennies autour des feux de camps et des veillées, carnet de chant en main !

En cela, ce chant de marins anglais est devenu un vrai chant traditionnel français.

A vous de jouer !

Je vous propose de rédiger et d’écrire en commentaire un quatrain de votre tonneau avec des rimes en « O ».
La bonne nouvelle, c’est qu’en fait vous ne rédigerez que deux vers, puisque je vous donne les deux autres : c’est « Oooo » et « Oooo » !
Exemple :
Je fais des bons gâteaux
Oooo
Je suis l’roi des cuistots
Oooo
(je sais, je sais : ce n’est pas intellectuel, mais ce n’est pas le but. Et en plus les gâteaux, j’adore ça !)

Pour aller plus loin

Vous pouvez adapter ou créer une chanson complète sur le schéma du chant à répondre. Faites simple : le but ici est que votre public reprenne en chœur une mélodie.
Pour cela, comme on l’a vu plus haut, vous utiliserez soit la répétition, soit une réponse si basique (une ou deux notes suffisent) qu’elle sera connue dès la première tourne.

Tiens bon le cap et tiens bon le FLOW, Santiano !

On dit que la vieillesse est un naufrage. Pas pour Santiano, dont le capitaine Hugues Aufray, du haut de ses 94 ans, est en plein tour de chant, après avoir épousé à l’automne dernier la jeune Murielle, de 45 ans sa cadette ! Le sel, ça conserve !
On va finir avec une de ses dernières prestations, 60 ans après la sortie du disque ! Respect !

Quant à vous, je vous souhaite bon vent, et

Vive la Chanson !

En 1980, Alain Souchon crée la surprise avec sa nouvelle chanson : c’est un canon ! Une forme de musique rarissime en chanson de variété ! Tout de suite, ce titre s’impose comme un tube. « Rame » donnera son titre à l’album, et sera reprise à chacune des tournées de l’artiste !
Mais d’abord, les paroles !

Les paroles de «Rame» de Alain Souchon

COUPLET 1
Pagaie, pas gai
Sur cette vieille Loire
Pagaie, pas gai
T’arriveras nulle part
Héron, héron
Là-haut, guetteur
Vois-tu, vois-tu ailleurs ?

COUPLET 2
Bout d’bois, bout d’bois
Beau caoutchouc
Flotte-moi, flotte-moi
Plus loin qu’chez nous
Baignoire, baignoire
Tu m’as menti
Ailleurs, ailleurs c’est comme ici.

REFRAIN
Rame, rame, rameurs, ramez
On n’avance à rien dans c’canoë
Là-haut, on t’mène en bateau
Tu pourras jamais tout quitter, t’en aller
Tais-toi et rame !

COUPLET 3
J’m’en vais, mais l’eau est lasse
Chaumont, Langeais
À peine Amboise
Amour, cordon
Ficelle serrée
Lâchez, lâchez, j’veux m’en aller

REFRAIN ad lib.

Carte d’identité de la chanson

« Rame » est le titre phare (c’est le cas de le dire) de l’album du même nom, sorti en 1980.
Auteur : Alain Souchon
Compositeur : Laurent Voulzy
Pour écouter, c’est ici : « Rame » de Alain Souchon

L’histoire de « Rame » de Alain Souchon

Une sortie tardive

Ce titre a été écrit et produit en 1977, mais n’est sorti qu’en …1980 !
Pourtant, entretemps, Souchon a sorti un autre album : « Toto 30 ans, rien qu’du malheur » (en 1978) ! Bizarre, non ? D’autant plus qu’on trouve dans « Toto » des titres enregistrés plus tard que « Rame », comme par exemple « L’amour en fuite », enregistré en 1978 !
Que s’est-il passé ? Pourquoi donc avoir tant attendu ?

La rame : une arme fatale

Et bien Alain Souchon a eu un problème de riche : son album « Toto », en préparation, regorgeait déjà de tubes !
En bon gestionnaire, il a donc patiemment attendu 3 ans avant de dégainer son arme fatale : la « Rame », qui a donné son titre au nouvel album !

« Rame » : un titre phare

C’est ainsi que « Rame » est devenu un des titres majeurs du répertoire de cet artiste… et même de la chanson française ! Souchon en a réenregistré des versions live dans plusieurs albums : Alain Souchon en public (1981), Olympia 83 (1983), Défoule sentimentale (1995), Alain Souchon est chanteur (2010), Âme fifty-fifties (2020).

« Rame » a également été repris par de grands artistes : dans cette version des enfoirés (avec du beau monde !) on comprend bien comment le canon se développe.
Ne manquez pas non plus ce petit diamant de 52 secondes  avec Jeanne Cherhal !

Bal(l)ade sur l’eau

Ce n’est pas la première fois que Souchon nous emmène sur l’eau. Il faut dire que, entre Quiberon et La Trinité sur mer, Voulzy et lui sont des amoureux de la Bretagne et des métaphores aquatiques : dans l’album précédent, dont nous parlions juste avant, Souchon nous faisait rêver avec « Le bagad de Lann Bihoué ». Voulzy, lui, nous emmenait à « Belle-île en mer, Marie Galante ».
Cette fois-ci, c’est sur la Loire que coule son filet de voix.

Le texte

Souchon comme à son habitude, délivre un texte minimaliste et désabusé, où chaque mot est une image qui symbolise un concept.

Couplets 1 et 2

Pagaie pas gai : dès les premiers (jeux de) mots, l’ambiance est posée : il ne se passe rien.
On s’ennuie ferme en navigant sur le plus long et lent cours d’eau de France.
Et on ne va nulle part.

Même le héron (et rond comme on tourne en rond) ne voit rien à l’horizon.

Bout d’bois et « beau » caoutchouc : voici de quoi notre embarcation, notre vie, est faite. Car c’est bien de nos vies que parle Souchon. De nos vies insipides, vides de sens, sans but, où l’on se satisfait de plaisirs dérisoires : le beau caoutchouc, ou la « baignoire » dont on imagine qu’elle va nous emmener vers un ailleurs qui n’existe pas.

Refrain

Sur une cadence de galère romaine, Souchon nous enjoint à ramer.
Agrémenté de quelques jeux de mots qui soulignent le marché de dupes dont nous sommes victimes, le refrain tient bien son rôle en donnant le thème de la chanson :
On n’avance à rien dans ce canoë (dans ce canoë : dans ce cas, « no way »).
On est « mené en bateau » depuis « là-haut », et nos efforts, répétitifs comme autant de coups de rame, sont vains.

Souchon finit sur « Tais-toi et rame ! ».
Ce dernier « rame » est très important : il conclut le refrain comme il l’avait ouvert. Même mot, même note, en suspension… J’y reviendrai.

Couplet 3

Suivons l’itinéraire : Chaumont (sur Loire), Langeais… on n’a guère avancé (à peine 60 Km) : on est englué dans la France profonde, au beau milieu de la Loire, loin de la source et loin de l’océan. Bref loin de tout, même si on a pu (à peine) effleurer la magie d’Amboise, son château royal et la résidence de Léonard de Vinci… un monde qui n’est pas pour nous.

Quant à l’amour, il est présenté comme un frein à la liberté, une amarre dont on ne veut pas.

La musique

Les couplets de « Rame »

Très statiques, les couplets tournent sur deux notes répétitives.

Ils illustrent ainsi l’immobilité du bateau de notre vie, qui est pourtant censé être un « mobilis in mobile ».

C’est un bon exemple d’une musique qui appuie les paroles sans verser dans l’excès.

Le refrain

La galère

Le refrain arrive comme une cadence de galère. Souchon y joue le rôle de l’hortator, ce chef de galère qui bat la cadence, au rythme du mot « Rame ».

Remarque pour les musiciens : ce refrain tourne (malgré quelques petits écarts) sur un anatole de 4 accords : la fa#m mi la (« A f# E A » pour les anglo-saxons).
Pour lire l’article sur les anatoles, cliquez ici.
L’ambiance n’est pas sans évoquer la « Chanson de pirates » de Claude Nougaro (1980) sur un texte de Victor Hugo et une musique de Maurice Vander.
https://www.youtube.com/watch?v=4wZ0zaLT1mw

Posez votre rame ici

C’est de nouveau sur ce « Rame » que Souchon termine le refrain. C’est LE moment important de la chanson : il boucle la boucle, préparant ce qui sera le canon du refrain final.
Car cette dernière « rame » est posée comme une charnière, à la fois au début et à la fin du refrain : même mesure, même temps, même note (un « la »).

Mais voilà : Souchon ne pose pas sa « rame » sur l’accord fondamental de « la majeur » comme attendu. Non, il la pose un ton plus bas, sur un « sol majeur ». Cela crée la suspension (un « sus2 ») dont je parlais plus haut, cette attente irrésolue, ce goût d’inachevé qui va relancer le couplet suivant.

On embarque !

Et au deuxième refrain, ce n’est plus la suspension qui arrive, mais le canon !
Et là, on est embarqué, au propre comme au figuré !

Cela illustre parfaitement le propos du texte, cette navigation vaine où tout le monde suit le mouvement sans aller nulle part.

Du pur génie ! Et en plus c’est beau !

A vous de jouer !

Dans son canon, Souchon nous fait ramer dans un refrain qui se mord la queue.

Je vous propose de trouver à votre tour un thème de chanson qui se prêterait à un canon.

Cherchez un thème de texte qui tourne en boucle, qui nous ramène au début. Piochez-le dans la vie courante.
Par exemple : une chaîne de montage, le cycle de la consommation, etc..
Bref : un thème « circulaire ».

Et surtout : n’oubliez pas de l’indiquer en commentaire !

Pour aller plus loin

Puisque vous avez trouvé un thème, vous pouvez même inventer la musique qui va avec ! Oui, oui ! Vous pouvez créer votre propre canon : pour cela je vous invite à vous rendre sur cet article consacré aux canons.

Je vous y dis tout sur la façon de composer votre propre canon.

Vous verrez, c’est facile et je vous donne la recette ! Rendez-vous à l’article

D’ici-là, ne ramez pas trop, et

Vive la Chanson !

En 1981, Jean Schultheis sort un titre qui va lui attirer les flashs des discothèques, et… les foudres des féministes ! Et pour cause : « Confidence pour confidence » est la confidence d’un pervers narcissique !

Auteur, Compositeur, Interprète : Jean Schultheis

Les paroles de « Confidence pour confidence »

COUPLET 1A
Je me fous,
fous de vous,
vous m’aimez
Mais pas moi,
moi je vous
voulais mais
Confidence pour confidence, c’est moi que j’aime à travers vous

Si vous voulez
les caresses
restez pas
Pas chez moi,
moi j’aime sans
sentiment
Confidence pour confidence, c’est moi que j’aime à travers vous

COUPLET 1B
Mais aimez-moi
À genoux
J’en suis fou
Mais de vous à moi je vous avoue que je peux vivre sans vous
Aimez-moi
À genoux
J’en suis fou
Et si ça vous fait peur
Dites-vous que sans moi vous n’êtes rien du tout

COUPLET 2A
Tout pour rien,
rien pour vous
Vous m’aimez
mais je joue
J’oublie tout
Confidence pour confidence, c’est toujours moi que j’aime à travers vous

Vous pleurez
révoltée
taisez-vous
Vous m’aimez
mais pas moi
Moi je vous veux pour moi et pas pour vous
Vous je m’en fous tant pis pour vous

PONT
Aimez-moi à genoux j’en suis fou
Et n’oubliez jamais que je joue
Contre vous, vous pour moi
Sans vous, vous l’avez voulu, tant pis pour vous
Aimez-moi
Mais confidence pour confidence, c’est moi que j’aime à travers vous

COUPLET 1A (ad lib.)

Qui est Jean Schultheis ?

Lorsqu’il sort cette chanson, Jean Schultheis est totalement inconnu du grand public…
…mais bien connu des professionnels de la musique !

Jean Schultheis, c’est le petit Mozart de la chanson française : il débute le piano à 5 ans, entre au conservatoire à 14, décroche une médaille à 16, puis un premier prix en harmonie et contrepoint, et un autre (à l’unanimité) en percussion à 19 ans.

C’est ainsi qu’il se retrouve batteur officiel de l’inoxydable Hugues Aufray avant d’accompagner Michel Jonasz, Maxime Leforestier puis Johnny Hallyday. Entre autres !
Entretemps, il joue dans une comédie musicale, puis sort un album, fait une musique de film avec Pierre Bachelet… bref : un surdoué un poil hyperactif !

Mais le vrai lancement de sa carrière, c’est bien sûr en 1981, avec « Confidence pour confidence », qui se classera à la troisième place du Hit-Parade.
S’en suivra une magnifique carrière tant d’auteur et de compositeur que d’interprète.

Ultime consécration, cette chanson a même fini en musique de pub !

La musique de « Confidence pour confidence »

C’est par là que tout commence : Schultheis invente la musique de ce qui sera « Confidence pour confidence », ce thème entêtant qui tourne sur trois notes, avec le même motif mélodique, déroulé sur un anatole en La bémol.
Sur un rythme disco simple et efficace (ce n’est pas pour rien que Schultheis est batteur) il déroule l’anatole, avec un gimmick de basse au piano reconnaissable entre tous :
Lab, Fam7, RébMaj9, Mib7.
Pour savoir ce qu’est un anatole, lisez cet article .

Vous pouvez facilement jouer une version simplifiée de « Confidence pour confidence » sur votre instrument : baissez simplement d’un demi-ton. Cela donne Sol, Mim7, DoMaj9, Ré7
Ou encore plus simple : Sol, Mim, Do, Ré7

A la guitare : doigté 1:index 2:majeur 3:annulaire 4:auriculaire

Au piano : les mêmes quatre accords simples

Cette musique a dicté à Jean Schultheis la structure si particulière des paroles :

« Au départ ce n’est pas moi qui étais censé faire ce texte. Ce n’est pas mon métier. Je suis compositeur. J’avais juste le rythme : trois pieds, trois pieds, trois pieds… Je me suis dit que j’allais écrire n’importe quoi. Et puis c’est arrivé au fil de l’écriture. Et une fois que cela a été fini j’ai pensé que cela ne marcherait jamais ! » (Jean Schultheis, La Charente Libre 2012). 

Et si on y jetait un coup d’œil, à ces paroles ?

Les paroles de « Confidence pour confidence »

La forme est une anadiplose. Hein, pardon ? Anne a dit quoi ???
Anadiplose : derrière ce terme savant se cache un concept tout simple : chaque vers commence par la dernière syllabe du précédent.

D’ailleurs vous connaissez l’anadiplose : vous l’avez-vous-même pratiquée. Mais si ! Rappelez-vous !

Trois p’tits chats, Trois p’tits chats, Trois p’tits chats, chats chats
Chapeau d’paille, Chapeau d’paille, Chapeau d’paille, paille paille
Paillasson, Paillasson, Paillasson…
Ça vous rappelle quelque chose ?

Et ça : marabout, bout d’ficelle, selle de ch’val, ch’val de course…

Eh oui, tels les Monsieur Jourdain de la chanson, nous avons tous pratiqué sans le savoir l’anadiplose dès notre plus jeune âge !

Jean Schultheis, parolier inexpérimenté, n’a rien fait d’autre dans sa chanson. Voyons ce qu’il en dit en 2023 sur Radio Vinci Autoroutes : « J’ai commencé à poser les mots. Ce n’était pas simple, mais je voulais que ça sonne. J’ai écrit ‘je me fous’. Je me suis dit : ‘fou de vous’. Et quand j’ai réalisé que j’avais répété la dernière syllabe pour en faire la première… ‘Je me fous… Fous de vous… Mais vous quoi ? Vous m’aimez… Mais pas moi… etc. »

La polémique

Seulement voilà : ce texte nous parle d’un pervers narcissique qui ne considère sa maîtresse que comme un objet de sa seule satisfaction.

En cela, la construction du texte, très sec, renforce cette sensation d’insensibilité. La musique, qui tourne sur trois notes obsédantes, souligne l’enfermement du personnage dans sa spirale égocentrique.

A l’instar d’un Alain Chamfort, Jean Schultheis est si convaincant dans ce rôle (car ce n’est évidemment qu’un rôle) que nombre d’auditeurs prendront ce texte au premier degré.

Au point qu’il a été vivement critiqué par certaines associations. La redoutable « Team premier degré » ignore visiblement que la première caractéristique d’un pervers narcissique est la dissimulation.

Schultheis s’en sortira par une pirouette en prétendant qu’il était homosexuel. Un nouveau clin d’œil du facétieux diablotin !

Ceci pose une nouvelle fois la question de la fusion (et parfois de la confusion) qui existe souvent aux yeux du public entre l’artiste et le personnage qu’il joue.

Pas de quoi en tout cas empêcher ce tube de fonctionner à l’international :
Voici la version italienne, plus vraie que nature !

La construction en anadiplose

Evidemment, l’anadiplose que propose Schultheis est plus sophistiquée que celles des deux exemples de notre enfance, puisqu’il en profite pour raconter une vraie histoire ! Et c’est toute la force de ce titre.

Dans le pont (qui n’est pas en anadiplose), il joue ensuite sur la confusion avec les pronoms personnels :

« Aimez-moi (hé mais moi)
A genoux (à je – nous )
J’en suis fou (Jean suis fou)
Et n’oubliez jamais
(et nous : oubliez) »

Il poursuit avec une « confiture » de « vous » qui montre le peu de cas que le personnage fait de sa partenaire, en précisant qu’il se joue d’elle :
« Je joue contre vous,
vous pour moi
sans vous
vous l’avez voulu »
et conclut par un implacable « tant pis pour vous ! ».

A vous de jouer

Vous l’avez deviné : je vais vous proposer de rédiger un petit quatrain en anadiplose.
Ici, pas besoin de rimes : enchaînez simplement quatre mots ou groupes de mots.
S’ils sont porteurs de sens, c’est encore mieux, mais ce n’est pas obligatoire !

N’oubliez pas de l’écrire en commentaire !

Pour aller plus loin

Si vous vous prenez au jeu, vous pouvez écrire un texte entier en anadiplose (j’en ai plusieurs à mon actif, dont « Alpha BB » qui sera prochainement sur les plateformes).

Rien n’oblige à respecter le rythme de 3 syllabes par vers, mais il vous faudra tenir compte de l’équation suivante :

• plus le vers est court, plus l’effet est fort
• plus le vers est long, plus le sens est fluide

A vous donc de trouver votre juste équilibre !

L’anadiplose – Ose l’écrire !
Vive la Chanson !

Les lacs du Connemara ont bien failli tomber à l’eau !
Une panne de synthé, une documentation absente, trois amis bloqués à la campagne, découvrez comment un titre maudit, étiqueté invendable va devenir un classique de la chanson française !

Les lacs du Connemara (1981)

Auteurs : / Michel Sardou / Pierre Delanoë
Compositeur : Jacques Revaud

Interprète : Michel Sardou
https://youtu.be/SHNaaEulT9w

Les paroles de « Les lacs du Connemara »

COUPLET 1a
Terre brûlée au vent
Des landes de pierres
Autour des lacs, c’est pour les vivants
Un peu d’enfer, le Connemara
Des nuages noirs qui viennent du nord
Colorent la terre, les lacs, les rivières
C’est le décor du Connemara
COUPLET 1b
Au printemps suivant, le ciel irlandais était en paix
Maureen a plongé nue dans un lac du Connemara
Sean Kelly s’est dit « je suis catholique », Maureen aussi
L’église en granit de Limerick, Maureen a dit « oui »
De Tipperary, Barry-Connelly et de Galway
Ils sont arrivés dans le comté du Connemara
Y avait les Connors, les O’Connolly, les Flaherty du Ring of Kerry
Et de quoi boire trois jours et deux nuits
REFRAIN 1
Là-bas, au Connemara
On sait tout le prix du silence
Là-bas, au Connemara
On dit que la vie, c’est une folie
Et que la folie, ça se danse
COUPLET 2a
Terre brûlée au vent
Des landes de pierres
Autour des lacs, c’est pour les vivants
Un peu d’enfer, le Connemara
Des nuages noirs qui viennent du nord
Colorent la terre, les lacs, les rivières
C’est le décor du Connemara
COUPLET 2b
On y vit encore au temps des Gaëls et de Cromwell
Au rythme des pluies et du soleil
Aux pas des chevaux
On y croit encore aux monstres des lacs
Qu’on voit nager certains soirs d’été
Et replonger pour l’éternité
On y voit encore
Des hommes d’ailleurs venus chercher
Le repos de l’âme et pour le cœur, un goût de meilleur
L’on y croit encore
Que le jour viendra, il est tout près
Où les Irlandais feront la paix autour de la Croix
REFRAIN 2
Là-bas, au Connemara
On sait tout le prix de la guerre
Là-bas, au Connemara
On n’accepte pas
La paix des Gallois
Ni celle des rois d’Angleterre

L’histoire de la chanson

Tout a commencé un jour de l’été 1981…

Bloqués à la campagne

Michel Sardou, accompagné de son compositeur Jacques Revaux et de son parolier Pierre Delanoë, va passer un week-end dans sa propriété de Saint Georges Motel, dans l’Eure. Les trois amis ont prévu d’y travailler quelques chansons en vase clos, loin du monde.

Le synthé en panne

Seulement voilà : le nouveau synthétiseur de Jacques, un magnifique Sequential Prophet 10, a mal supporté le voyage (on n’était pas encore à l’ère des micropuces et des composants stables). Il est tombé en panne! Et il n’émet plus qu’un seul son : une espèce de timbre nasillard du style cornemuse…

Coincé avec ce son unique de cornemuse, Revaux ne baisse pas les bras : il commence à composer, par jeu et par obligation, une musique de style écossais… et si c’était une nouvelle chanson ?

Pierrot la débrouille

Pierre Delanoë, qui ne connait rien de l’Ecosse, file illico en voiture se mettre en quête de documentation. Pas si simple : on est 20 ans avant internet !

Il écume les rares agences touristiques de la région, et bien sûr, il ne trouve rien !
Juste un prospectus sur… l’Irlande, et plus exactement les lacs du Connemara.
Les quoi ??? Connais pas !

Bon, on va faire avec.
Les trois compères se mettent au travail. Alors commence une pièce en trois actes.

Une pièce en trois actes

Acte 1 : la musique

Revaux, bloqué par le son unique de son synthé, n’a d’autre choix ce weekend-là que de se consacrer à cette seule chanson.

Il va donc avoir le temps de peaufiner particulièrement sa composition.
Le résultat ? Une oeuvre à la fois simple et complexe.

Simplicité et complexité

Simple, car les couplets tournent quasiment sur deux notes, sans réelle ligne mélodique. Quant au refrain, son point fort est le décollage sur « là bas », sur une simple note tenue. Voilà pour la simplicité qui marque les esprits.
La complexité viendra de la structure interne de l’ensemble qui va sublimer cette œuvre.

Rythme et envolées

On l’entend bien : Revaux alterne les passages dansants des couplets, les arrêts, et enfin les envolées du refrain. Ce contraste, que l’on retrouve désormais dans la quasi-totalité des productions actuelles, était novatrice à l’époque. Ce procédé crée l’attente, et relance perpétuellement la chanson.

Changements de tonalité

Dans les couplets, Revaux monte les tonalités : il passe en quelques mesures seulement de la tonalité de mi bémol majeur à celles de fa mineur, puis do mineur, et ainsi de suite jusqu’à atteindre finalement la brillante tonalité de ré majeur ! Le fameux ré majeur du mythique refrain, qui s’envole littéralement sur un lyrique « là-bas ».

Cette progression lumineuse magnifie l’œuvre tout en préservant sa simplicité.

Acte 2 : les paroles des lacs du Connemara

De son côté, Delanoë ne chôme pas !

Un décor

Brochure en main, Delanoë plante le décor : les paysages sauvages du Connemara, avec ses lacs mystérieux et sa lande hostile.

Une histoire

Pour l’histoire, Delanoë s’inspire du film de John Ford « L’homme tranquille », pour nous raconter un mariage irlandais sur fond de conflit entre protestants et catholiques.

Des mots

Une belle chanson a besoin de mots.

Denanoë puise de nouveau dans sa brochure touristique des noms de lieux mystérieux et magnifiques : Limerick et sa fameuse église de granit, Tipperary, Ballyconneely, Galway, Ring of Kerry…

Il récupère tout !
Des noms de familles : Connor, O’Connoly, Flaherty… et deux prénoms : Sean et Maureen.

Acte 3 : l’orchestration

trop long !

L’ébullition créative des trois amis a accouché d’une œuvre inspirée. Tellement inspirée qu’elle dure 6 minutes. Aïe ! On n’est pas du tout dans le bon format ! Une chanson, c’est 3’40 !

Et Sardou ne croit pas du tout à l’avenir de cette chanson hors gabarit, au point qu’il veut la laisser dans les tiroirs !

Studio Abbey Road

Revaux, au contraire, y croit dur comme fer ! Au point qu’avec l’orchestrateur Roger Loubet, il va aller à Londres l’enregistrer au prestigieux studio Abbey Road avec le London Symphony Orchestra!

Et là, c’est le choc : Michel Sardou et son équipe sont bluffés par la qualité du son des cors et des cordes de l’orchestre. On va le sortir, ce titre !

Pour autant, les synthés n‘ont pas totalement disparu : la voix de Jacques Revaux et divers sons témoins sont restés par erreur gravés sur la bande. C’est pour les masquer que les ingénieurs du son vont rajouter in extremis des bruits de vent ainsi que les timbres synthétiques au début du titre.

Vous avez dit « classique » ?

A propos d’orchestre, le rythme du thème du couplet ne vous rappelle rien ?
Eh oui, c’est le même que celui de l’Apprenti Sorcier de Paul Dukas. Un classique, vous dis-je !
Allez donc écouter ça en suivant le lien et en cliquant sur les boutons « jump ».

Une chanson qui aura plusieurs carrières

« Les lacs du Connemara » comme d’autres chansons (on pense évidemment à « Dans les yeux d’Emilie »), va connaître plusieurs carrières :

La première carrière des « Lacs du Connemara »

C’est la carrière principale, naturelle, de la chanson, portée par le public traditionnel de Sardou. Au fil des années, le succès de ce titre sera exponentiel, au point de devenir un titre phare du répertoire.

La seconde carrière des « Lacs du Connemara »

Elle est beaucoup plus récente : cette seconde carrière est plus festive, portée par les très jeunes, qui dans les collectivités et autres soirées de village, ont pris l’habitude de danser et chanter sur ce titre, au gré de ses ruptures de rythmes et de ses notes faciles à braill… à chanter.

Entretemps, Michel Sardou a été fait citoyen d’honneur du Connemara, qui est devenu depuis la chanson une destination prisée des touristes francophones.

Hum…

La personnalité pour le moins contestable de Michel Sardou est à l’origine de nombreuses polémiques.
Certaines sont justifiées, d’autres sont carrément hors-sujet…
…comme celle lancée par une certaine Juliette A., qui a confondu la chanson et l’interprète.
Bref.

Passons. Tout le monde ne peut pas avoir composé « My Way ».

Pour aller plus loin

Comme toujours, je ne vais pas vous laisser partir sans vous donner des pistes créatives. Naturellement, elles seront inspirées des « Lacs du Connemara ».
Et comme toujours, il ne s’agira pas d’exercices stériles, mais bien de créations.
Oui ! Vous allez faire une chanson !
Vous êtes prêts ? On y va !

Création de paroles : l’inventaire des mots

Voici l’occasion de mettre en pratique un point essentiel de la création de chanson : un inventaire de mots.
Les mots sont la matière première de vos textes. Leur choix judicieux fera la qualité de vos chansons. Et pour choisir, il faut avoir le choix, et donc faire des recherches.

Votre travail créatif sur les PAROLES

Je vous propose, comme l’a fait Pierre Delanoë, de vous documenter sur un lieu que vous connaissez… ou qui est inconnu du public.
Il est important de lister des noms remarquables, soit par leur sonorité, soit par la part de rêve qu’ils portent.
Ne vous limitez pas : chaque nouveau mot est une rime en puissance !

Pour cela, vous avez internet, bien sûr. Mais mieux encore, il y a ce bon vieux papier, celui qu’on trouve dans les agences, que l’on peut étaler sur la table pour tout avoir en permanence sous les yeux et se plonger dans une ambiance.

Inspiré par ce décor, il vous restera à inventer l’histoire, puis à écrire vos paroles.
Et là, pas de complexité : privilégiez une histoire simple, humaine, dans laquelle l’auditeur pourra se projeter.

Création de musique : le changement de tonalité

Les changements de tonalité sont une des grandes caractéristiques de cette chanson.
En quoi cela est-il intéressant ?

La répétition est un élément essentiel en chanson. Elle permet à l’auditeur de s’approprier l’œuvre, voire d’en être pénétré.
Le changement de tonalité modifie l’éclairage sans changer l’essence : il rompt la monotonie, mais ne déséquilibre pas l’ensemble.
Ainsi, malgré un changement, les repères sont conservés.

Votre travail créatif sur lA MUSIQUE

Je vous propose d’inventer un thème musical simple, un gimmick, que vous allez développer dans plusieurs tonalités, tout comme le fait Pierre Revaux dans « Les lacs du Connemara ».
Donc :

• 1 – Inventez un gimmick (une suite de 2 ou 3 notes simples)
• 2 – Faites le « tourner » pour vous l’approprier
• 3 – Essayez dans d’autres tonalités
• 4 – Enchaînez

Tout le travail ici, une fois le thème trouvé, est dans l’exploration des diverses tonalités. Certaines s’enchaîneront mieux que d’autres.
Un article est en préparation pour tout vous dire sur les changements de tonalité. A suivre donc.

Pour finir, une bonne et une mauvaise nouvelle :

La bonne nouvelle

Savez-vous que, 40 ans après, le Sequential Prophet 10, mythique synthétiseur qui a inspiré cette chanson à Delanoë, se fabrique toujours ? Si vous en doutez, cliquez donc là dessous !

https://www.thomann.de/fr/sequential_prophet_10.htm

La mauvaise nouvelle

Le Prophet 10 d’aujourd’hui est beaucoup plus stable qu’à l’époque ! Ne misez donc pas trop sur une panne pour y puiser votre inspiration !

Et vous ?

Vous avez fait une chanson sur un lieu « exotique »?
Ou qui inclut un changement de tonalité ?
Si c’est le cas, partagez-la en commentaire juste en dessous !

A vos instruments, à vos stylos, et Vive la Chanson !

Une chanson codée au sens caché

Cette chanson dit bien autre chose que ce que l’on croit. Avant d’en analyser le texte et la musique, voyons tout de suite les paroles.

LES PAROLES

COUPLET 1 (1ère partie)
Allongé, le corps est mort
Pour des milliers C’est un homme qui dort
À moitié pleine est l’amphore
C’est à moitié vide qu’on la voit sans effort

COUPLET 1 (2^ème partie)
Voir la vie, son côté pile
Oh philosophie, dis-moi des élégies
Le bonheur, lui me fait peur
D’avoir tant d’envies
Et j’ai un souffle au coeur, (aussi)

REFRAIN 1
C’est une belle journée
Je vais me coucher
Une si belle journée, qui s’achève
Donne l’envie d’aimer,
Mais je vais me coucher
Mordre l’éternité, à dents pleines
C’est une belle journée
Je vais me coucher
Une si belle journée, souveraine
Donne l’envie de paix
Voir des anges à mes pieds, mais
Je vais me coucher, m’f’aire la belle

COUPLET 2 (1^ère partie)
Allongé, le corps est mort
Pour des milliers, C’est un homme qui dort
À moitié pleine est l’amphore
C’est à moitié vide que je la vois encore

COUPLET 2 (2^ème partie)
Tout est dit puisqu’en amour, si c’est du lourd
Si le coeur léger, les élégies toujours
Les plaisirs, les longs, les courts
Vois-tu mon amour
Moi j’ai le souffle court, (vois-tu)

REFRAIN 2

PONT
Belle
La vie est belle
Comme une aile
Qu’on ne doit froisser
Belle
La vie est belle
Mais je vais là
Belle
La vie est belle
Mais la mienne
Un monde emporté
Elle, j’entre en elle
Et mortelle, va

REFRAIN 3

REFRAIN 4

Présentation

Année de sortie : 2001
Compositeur : Laurent BOUTONNAT
Auteur et interprète : Mylène FARMER

Fin 2001, le duo Laurent Boutonnat – Mylène Farmer est déjà au sommet d’une gloire qui ne se démentira jamais. Au point que cette année-là, Mylène Farmer sort un Best Of. Et comme souvent dans ces cas-là, trois inédits ont été glissés au milieu des tubes. Nous n’épiloguerons pas sur l’aspect éthique de la pratique commerciale qui consiste à vendre un nouvel album avec seulement trois nouvelles chansons.
Vous l’avez compris, la chanson qui nous intéresse aujourd’hui est un de ces inédits : « C’est une belle journée » qui sortira également en single cinq mois plus tard.

Une musique joyeuse, des paroles légères et positives, Mylène nous gratifie cette fois-ci d’une chanson qui invite à la gaîté.
Le refrain nous parle d’un belle journée qui s’achève dans une forme de plénitude, et à la fin de laquelle Mylène va aller se coucher.

Préambule : un léger malaise

Dès le début de la chanson toutefois, on est interpellé par deux vers qui installent un léger malaise.

« Allongé, le corps est mort
Pour des milliers C’est un homme qui dort»,

On comprend que Mylène Farmer met en parallèle le sommeil et la mort, se référant sans doute à un de ses poètes favoris, Pierre Reverdy.
Celui-ci écrivait en 1915 dans son poème « Esprit pesant » :
« Il est allongé et il dort. C’est un corps mort. »
Celui que tous (« des milliers ») croient endormi serait-il mort, comme « le dormeur du val » de Rimbaud?

La suite ne fait que renforcer le doute :

« À moitié pleine est l’amphore
C’est à moitié vide qu’on la voit sans effort »

Malgré une certaine maladresse dans le texte (au-delà de son aspect mystérieux et opaque, l’amphore est visiblement posée là avant tout pour la rime) on comprend que le personnage de la chanson se situe du côté du verre à moitié vide, dans un monde où la plupart des gens voient le bon côté des choses.
Après ce long préambule, je vous livre la chanson :

RELISONS Le texte

Je vous invite à relire le texte d’une façon plus analytique.

On est frappé par le contraste entre le côté sombre des couplets, et la légèreté des refrains.
Quelle en est la raison, quel est le message ?

C’est sans doute une des clés du succès de cette chanson, qui nous fait perdre nos repères : le personnage de la chanson serait-il schizophrène, triste tout le jour, et heureux au soir d’une « belle journée » ?
Ou bien, cette « belle journée » lui est-elle inaccessible ?

Vous allez le voir, la réalité va bien au delà de tout cela.
La révélation a eu lieu un certain 8 janvier.

Le coup de Théâtre

Le 8 janvier 2006, Mylène Farmer donne une de ses très rares interviews. Cela se passe sur TF1, dans l’émission « 7 à 8 ».  On y découvre un personnage introverti, sensible, abandonnique et ô combien attachant.

A la 18^ème minute, coup de théâtre : Mylène évoque la chanson : « C’est une belle journée ».
Et elle révèle que le texte original du refrain n’était pas « je vais me coucher », mais « je vais me tuer ». Oui ! Vous avez bien lu !
Et là, tout s’éclaire !

Relisons le refrain avec les « vraies » paroles

« C’est une belle journée,
Je vais me tuer
Une si belle journée qui s’achève
Donne l’envie d’aimer,
Mais, je vais me tuer
Mordre l’éternité, à dents pleines
C’est une belle journée
Je vais me tuer
Une si belle journée, souveraine
Donne l’envie de paix
Voir des anges à mes pieds, et
Je vais me tuer, m’f’aire la belle. »

Wouah !
Ce n’est pas seulement un nouvel éclairage : c’est beau et puissant !
Une véritable déclaration d’amour à la mort.

Le pont lui-même prend tout son sens :

« La vie, belle, trop belle, si belle qu’on ne peut en profiter sans l’abîmer »
« La vie est belle, mais je vais là » (sur scène, elle montre le ciel)
« J’entre en elle (la mort) et mortelle, va » (je quitte mon enveloppe mortelle)

Pourquoi Mylène Farmer n’a-t-elle pas conservé le texte original ?

Mylène Farmer nous en donne la raison, qui est éminemment respectable : consciente de son aura et de l’influence de sa parole sur son public, elle décide, pour la seule fois de sa vie d’artiste, de se censurer elle-même.
Ceci pour ne pas sembler « faire un appel au suicide pour certaines personnes un peu fragiles ».

Un sens des responsabilités dont pourraient s’inspirer bien des artistes. On pense notamment à certains rappeurs inconséquents et incontinents, parfois couronnés un peu vite par des victoires de la musique.

De façon annexe, cette modification donne à la chanson une universalité qu’elle n’avait pas, car elle devient ainsi une chanson « tout public ».

Par ailleurs, elle entre de fait dans la catégorie des « chansons à énigme », ces chansons à message caché.

Nous y reviendrons dans une prochaine radioscopie lorsque nous parlerons de « La nuit je mens » de Alain Bashung.

Côté musique

Intéressons-nous à la musique, élément prépondérant de tout tube qui se respecte. Si le ton musical est enjoué, les arrangements restent dans le style et l’esprit qui font la signature de la star :

L’Orchestration de « C’est une belle journée » de Mylène Farmer

Le son est électro-pop, avec des synthés percussifs et clairs, des claps qui ponctuent les relances, des ruptures, et ce contraste entre un instrumental un peu heurté et une voix très liée. On est dans la lignée des succès de Mylène Farmer.

Ici l’instrumental qui permet de détailler l’orchestration :
https://www.youtube.com/watch?v=BFpDS7B7hwA

La voix

Elle est susurrée et la diction est tout en chuintantes douces. Aucun doute n’est permis : on est bien en train d’écouter du Mylène Farmer !

Voici deux performances « live » qui mettent visuellement en évidence l’aspect « heurté » de la chanson : On remarque que la version « live » est jouée un ton plus haut que la version « studio ». Cela permet d’avoir une meilleure dynamique dans le feu de la performance scénique. On gagne en énergie ce que l’on perd en intériorité.

Ici, à Bercy en 2006 : https://www.youtube.com/watch?v=ANQ0w1fbMHU

Et là lors de sa tournée 2013 : https://www.youtube.com/watch?v=MODrlQ17V00

La structure harmonique de « C’est une belle journée » de Mylène Farmer

C’est une chanson très classique, avec :

– Pour les couplets

Un anatole de 3 accords en 4 mesures (voir l’article à ce sujet) en tonalité Si mineur (dans la version live).
Sim Sol La Sim (la recette de JJ Goldman !)

– Pour le refrain

Un anatole de 4 accords sur 4 mesures
Sim Sol Ré La

– Le pont

Il est en Lam et reprend les accords du couplet, un ton plus bas :
Lam Fa Sol Lam.
Cette descente permet de « poser » provisoirement la chanson.

– Reprise du refrain

On y retrouve la tonalité de Sim.
Ce « changement de tonalité apparent » (puisqu’on remonte d’un ton par rapport au pont) permet de relancer la dynamique. En réalité, c’est un simple retour à la tonalité d’origine, en Sim.
Une façon de retrouver le fil de la chanson, restée un temps suspendue. Bien vu !

– Dernier refrain

En… Rém ! C’est une grosse montée puisqu’on repart une quinte plus haut (5 demi-tons !). Cela envoie littéralement la chanson au ciel !

– Fin

Un accord final de Ré. C’est un « power chord » ou accord de puissance : on ne peut savoir s’il est mineur ou majeur (la tierce en est absente), ce qui laisse ouvert l’imaginaire de l’auditeur. Quoi de mieux pour un grand saut vers l’inconnu ? J’adore !

Quelques chansons écrites sur le même modèle :

Revenons au texte de « C’est une belle journée » : Mylène Farmer a employé ici deux stratagèmes : la substitution et l’antiphrase.

La substitution

Mylène Farmer a remplacé « tuer » par « coucher », ce qui naturellement modifie ce que reçoit l’auditeur. On trouve cette pratique dans la chanson française, souvent avec des arrière-pensées grivoises. Voici deux exemples :

Scoubidou (Sacha DISTEL)

Les sucettes (France GALL)

https://www.youtube.com/watch?v=q-iysdFu_TQ

L’antiphrase

Mylène Farmer parle d’aller se coucher tranquillement alors qu’il s’agit de se suicider. Le sens est donc contraire à ce que semblent indiquer les mots. On retrouve ce procédé dans quelques chansons célèbres.

Sorry Angel (Serge GAINSBOURG)

Gainsbourg parle de sa compagne qu’il aurait poussée au suicide. Mais il a inversé la situation : C’est en réalité de lui-même qu’il parle, lui qui avait songé à cette option fatale après avoir eu le cœur brisé par le départ de Jane.

Le petit train (Rita MITSOUKO)

Les Rita MITSOUKO détournent « Le petit train » de André Claveau (1953) pour parler, sur fond de musique joyeuse, de la déportation.

Ici la chanson d’origine : https://www.youtube.com/watch?v=UOm4gCZca-w

A vous de jouer !

Comme chaque fois dans cette rubrique, je vais vous demander de travailler un petit peu : ici nous allons nous intéresser aux deux aspects distincts mais complémentaires que nous venons d’évoquer.

Pour aller plus loin

Avant toute chose, je vous propose de rechercher vous-même des chansons qui utilisent l’un ou l’autre de ces procédés. Vous pouvez même inscrire leurs titres (avec lien vers l’audio pendant qu’on y est!) dans les commentaires. Cela enrichira la communauté !

A vos stylos ! Choisissez un des deux exercices suivants :

Exercice de substitution :

Prenez un texte de votre choix, existant si possible, de votre production si possible. Substituez-lui le sujet principal par un autre (par son inverse, par un objet, par un animal…), pour que le texte prenne un autre sens. Mais attention : il faut rester suffisamment ouvert pour qu’une lecture attentive ou répétée puisse révéler le secret au lecteur ou à l’auditeur !

Exercice d’antiphrase :

Choisissez un thème fort, dramatique, et si possible connu (la guerre, une rupture, la disparition de l’être aimé, un attentat…). Optez pour un thème qui vous touche, au point que le premier degré vous paraisse trop frontal. Dans un court texte, traitez cette question soit à travers des métaphores très légères, soit en disant le contraire ou l’inverse de la réalité, tout en laissant la porte ouverte à la bonne compréhension par un lecteur attentif.

Et surtout : n’hésitez pas à inscrire vos productions dans les commentaires ! Bon courage !

Bonnes recherches, bonnes productions et Vive la Chanson !