Catégorie : Ecrire des paroles

Que choisir entre le sens et le son ?
Pas besoin de lire cet article ! Parce qu’on connait déjà la conclusion :

Ben… c’est évident : les deux !

Allez, circulez, y’a rien à voir !
Oui… sauf que ce n’est pas si simple que cela.

Allez, on commence vraiment par le début. Lisez ça !

1. Une chanson, c’est quoi ?

Pour celui qui la crée comme pour celui qui l’écoute, une chanson, ce n’est pas juste des mots qu’on a posé sur des notes : on cherche à transmettre quelque chose. Une émotion, une image, un souvenir, une humeur…

Et pour cela, le sens des mots est essentiel.

Mais ce n’est pas tout : le son des mots joue, lui aussi, un rôle clé. Il va donner une ambiance, une couleur.

Il arrive donc qu’on doive choisir entre le sens parfait et le mot qui sonne mieux.

C’est de cette tension, quelque part entre littérature et musique, que naît la chanson.

2. Chanter, c’est dire quelque chose

Pourquoi faisons-nous de la chanson ? Parce qu’on a quelque chose à dire.
Les mots, on ne les choisit pas au hasard, ni par souci d’effet : on les choisit parce qu’on veut porter un message, un élan, une histoire.

D’ailleurs, si l’on ne voulait transmettre que du rythme ou de l’énergie, on ferait de la dance, de l’électro ou de la pop en anglais, avec des paroles qu’on entend à peine.

Mais voilà : on fait de la chanson.
Et en chanson française, le sens compte.
La langue, c’est à la fois un support et un vecteur.

Et ça implique une responsabilité :
cela nous oblige à la précision, à la justesse, à la sincérité.

3. Les mots sont aussi de la musique

Mais un mot, ce n’est pas juste un sens.
Un mot, ça a un son, une couleur, un timbre.

Prenons par exemple la photo ci-contre :

Diriez-vous que c’est une auto, une automobile, une voiture, une caisse, une tire, une bagnole ..?

Tous ces mots désignent la même chose, mais sonnent différemment…

…sans parler de la « Benz » de NTM ou de la « Chrysler » de Souchon !

Eh oui : Les mots sont exactement comme les notes de musique :
– Comme les notes, les mots ont un son. De la même façon qu’une note de musique peut être interprétée par différents instruments, un même concept pourra être exprimé par différents mots, dont chacun « sonnera » différemment.
– Et ce n’est pas tout : Comme la suite des notes d’une musique, l’enchainement des mots aura une mélodie propre, plus ou moins élégante. Au fil du vers, les mots vont se succéder. Parfois de façon fluide, parfois de façon imprononçable.

Prenons comme exemple le vers de Balavoine dans « Tous les cris les S.O.S. » , magnifique chanson malgré un texte un peu laborieux : à 2 :52, on entend :
 « Tout était clair comm’ de l’eau ».
TouTéTaitClaiRCom… le début du vers est très accroché… pas terrible !
…coMM’DeL’eau : en revanche la fin est fluide (c’est le cas de le dire vu que c’est de l’eau !)

Il faut s’y résoudre : parfois, le mot juste n’est pas le mot bon.
Et inversement, un mot poétique n’a pas toujours sa place.
Il nous faudra donc louvoyer entre sens et son pour trouver l’équilibre parfait.
Mais quand on a dit cela, on n’a pas tout dit : lisez donc la suite !

4. Les dérives du son ou du sens mal dosés

1ère dérive : les mots compliqués

Première dérive : les auteurs de chanson novices utilisent souvent des mots compliqués, qui sonnent mal, qui s’enchainent mal, ou dont le sens est approximatif.
Par manque d’assurance, ils veulent souvent impressionner : ils mettent des mots rares, alambiqués, qui cassent le rythme ou sonnent faux. Une chanson, ce n’est pas une dissertation. Le mot doit trouver sa place naturelle dans la phrase, sans faire de vague.

Un exemple : le fameux « anathème » de Francis Lalanne à 1 :25
…ou quand un dictionnaire devient indispensable pour comprendre le sens d’une chanson plutôt insipide.
D’ailleurs la plupart des gens ne comprennent pas ce texte trop compliqué (qui parle du décès d’un être cher et non d’un amour impossible).

2ème dérive : les mots ronflants

Autre piège : Quand les rimes sont là, que le flow est présent, mais qu’il n’y a aucun sens !
Certains auteurs se gargarisent volontiers de mots creux, les grandes phrases qui ne veulent rien dire.
C’est le cas de la plupart des rappeurs dont le niveau dépasse rarement un petit CE2 (pour le slam, on atteint un bon niveau CM1).

Allez, je vous offre en guise d’illustration une chanson au 2^ème degré qui a un flow du diable…
…et qui ne veut (presque) rien dire !

3ème dérive : les fautes de français

Là encore, on peut dire un grand merci à nos amis les rappeurs qui ont fait de ce travers une véritable discipline olympique.
Mais il n’y a pas qu’eux ! Si Indochine n’existait pas, il faudrait l’inventer !
à 1:40, on entend :
“Tu me donnes un baiser et nos langues vont juste s’emmêler, et ta peau se mouilla, elle aura comme un goût, un goût de lait, Je te respire » Ouatchh !
…et, à 3:35, un prémonitoire quoi qu’involontaire « corrige-moi mes fautes »

Pour éviter une telle débâcle, jetez un œil à notre article « Chanson : gare aux fautes de français ».

5. Trouver l’équilibre entre le sens et le son

Alors dans tout cela, où est le bon équilibre ?

A chacun sa réponse

Il faut savoir se détacher du sens pour écrire un joli mot, voire même changer un peu le discours pour qu’il gagne en poésie et en musicalité.
C’est la position de Boby Lapointe, qui a fait du son des mots la base de ses chansons.

A l’inverse, il faut parfois savoir sacrifier une rime pour exprimer une belle idée. C’est la position que défend inlassablement mon ami Claude Lemesle, le plus grand auteur français contemporain, ici interprété par Joe Dassin.
Entre 1:24 et 1:42, il choisit délibérément de sacrifier la rime pour privilégier l’émotion.

Et nous, dans tout cela ?

Apprenons à parfois « tordre » un peu l’idée de départ pour que la phrase soit chantable, changer un verbe pour que la mélodie respire, ou troquer un synonyme plus doux, plus évocateur.
Et ce n’est pas trahir son message, au contraire : c’est l’épouser mieux.

Mais l’inverse est aussi vrai : sachons parfois renoncer à une tournure parfaite pour laisser place à la musicalité des mots.

Dans la chanson, la langue n’est pas reine : elle est danseuse.

👉 Retrouvez notre article « Les mots disent ce qu’ils veulent dire » pour aller plus loin.

6. À vous de jouer !

Bon, tout ça c’est bien gentil, mais concrètement, comment fait-on ?
Eh bien, comme il n’y a pas de raison que je sois le seul à travailler ici, je vous propose un petit jeu qui va exercer votre plasticité cérébrale à l’art de l’équilibre.
Le jeu des 3 versions (10 minutes chrono)

Pour commencer, choisissez une idée forte, une phrase clé : ex. « Je ne t’attends plus ».
Puis rédigez trois versions :

Version 1 (le sens) : écrivez une version très claire, sans chercher à faire joli. Juste ce que vous voulez dire.

Version 2 (le son) : faites une version purement sonore, avec des mots qui chantent, riment, résonnent. Quitte à déformer un peu le sens.

Version 3 (la synthèse) : trouvez un équilibre entre les deux. Réécrivez la phrase en gardant l’idée ET le style.

NB : travaillez à l’oral, idéalement à voix haute.

Vous voyez la différence ?
Ou plutôt : vous l’entendez ?
Si oui, c’est le moment de sortir la guitare ou le piano pour tester !

Pour aller plus loin

Transformez cette phrase en chanson. Vous tenez votre refrain, attaquez les couplets !

Pour les couplets, vous pouvez avoir deux approches différentes :
– privilégier le sens pour favoriser une bonne compréhension du propos
– privilégier le son et vous autoriser des bons mots
En revanche, l’ensemble doit rester cohérent : il ne s’agit pas d’avoir un couplet rempli d’onomatopées tandis qu’un autre développe un discours construit.

Comme toujours, je vous invite à poster votre production en commentaire !

Avant de se quitter

Je vous rappelle que vous pouvez rejoindre le groupe facebook des Auteurs, Compositeurs et Interprètes francophones de l’Académie de la Chanson. Il suffit de cliquer ici.

Vous pourrez y retrouver nos articles, publier vos oeuvres, échanger, et trouver des conseils.

En conclusion

Ecrire un texte, composer une musique, c’est très bien.

Mais écrire une chanson, c’est beaucoup plus complexe : nos mots font partie intégrante de la musique.
Il nous faut fusionner les deux, dans un petit miracle d’équilibre.

Ce qu’on qualifie d’ »art mineur » est en réalité un art complexe, un travail d’orfèvre.

Et l’Académie de la Chanson est là pour vous accompagner dans cette alchimie fragile.

Vive le mariage du sens et du son,

Vive la chanson !

« Ça dit bien ce que ça veut dire » : voilà une expression qui dit bien ce qu’elle veut dire !
Vous savez, quand le bruit du mot évoque ce qu’il désigne.

Quand un mot « claque » comme un coup de fouet, qu’il « caresse » avec douceur, ou qu’il « sonne » comme un tocsin, au point de se confondre avec ce qu’il représente.

Eh bien cela porte un nom : c’est l’iconicité phonétique : eh oui, certains mots font déjà la moitié du boulot à votre place !

Et comme écrire une chanson, c’est jongler avec les sons et les sens, l’iconicité phonétique, sera notre meilleure alliée pour écrire de bonnes chansons !
Et nous, on va s’en servir : je vais tout vous dire !

Quand le mot fait « BOUM »

Allez, pour bien comprendre, voici quelques exemples :

• Une lame qui glisse, un serpent qui siffle, une gifle qui claque, le tonnerre qui gronde…
• Le feu qui crépite, les pneus qui crissent, les dents qui claquent, tandis que le chat feule et que le corbeau croasse…

Vous ne remarquez rien ?
Ici, le mot imite le son, et ce son évoque l’action. C’est une forme de musique naturelle, une poésie du quotidien.
Et vous voulez une bonne nouvelle ? Eh bien en chanson, ça fonctionne à la perfection !

Dans un refrain, n’hésitez pas à donner de la matière en jouant du Big Bang, du crack, du ramdam…
Dans vos couplets, glissez un crissement, un chuintement qui ajouteront de la matière…
Au détour d’un pont, faites-nous entendre un clapotis qui donnera de la sensualité…
Un mot bien choisi, c’est un effet sonore instantané, un décor miniature, un frisson en syllabes.
Mais ce n’est pas tout !

Sens, son et sensation : l’effet 3D des bons mots

Certains mots n’imitent pas vraiment un son réel, mais leur phrasé suggère une ambiance :

• Morne, lente, épaisse : des mots longs, qui traînent, comme s’ils étaient alourdis.
• Vif, sec, tranchant : des mots courts, nets, comme une gifle.
• Fleurir, ruisseler, frissonner, onduler : doux et liquides, ils coulent sur la langue.

Votre oreille d’auteur va apprendre à repérer ces sonorités qui servent l’intention.
Les mots d’une chanson d’amour sonnent souvent d’une façon tendre, quand ceux d’une une chanson de rupture s’appuient volontiers sur des mots qui claquent et qui craquent.
Des codes qui ne demandent qu’à être bousculés d’ailleurs !
Et il n’y a pas que les mots : il y a aussi les expressions ! Lisez la suite.

Les expressions toutes faites : trésors… et pièges

Les expressions courantes aussi sont des mines d’or. Elles regorgent d’images fortes :

• Il tombe des cordes,
• Un silence de plomb,
• Un déluge d’ennuis,
• Avaler des couleuvres,
• Un silence assourdissant…

Enfin… des mines d’or… en apparence !
Parce que là, il faut faire attention à deux travers fréquents :

Premier travers : se croire original
Si vous écrivez “Il pleuvait des cordes” dans un refrain, vous aurez droit à un bâillement poli de l’auditeur. Il l’a entendue mille fois. Même si vous, vous trouvez ça magnifique.
Un exemple ?

Second travers : revenir involontairement à l’expression d’origine.
Alors là, pour passer pour un illettré, il n’y a pas mieux !
Comme écrire par exemple : “Un déluge de pluie s’abattait sur lui”.
Oui… mais un déluge EST une pluie. Donc c’est redondant.
Bonjour le pléonasme en grosses bottes de caoutchouc !

👉 Le bon réflexe : réinventer ces expressions. Déformer, détourner, retourner. Jouer avec. Faites tomber des lianes, des clous ou des regrets. Avalez des boussoles ou des silences. Bref, soyez luthier des images.

Écrire, c’est aussi écouter

Une chose à ne jamais oublier : un mot, c’est d’abord un son. Surtout en chanson !
Alors avant même de chercher une rime, écoutez ce que disent vos mots.
Leur timbre, leur rythme, leur texture.
Et assurez-vous de ne pas faire fausse route avec un mot qui ne sonne pas !

Vous le savez : la chanson, c’est de la langue parlée (voir l’article en lien).
C’est pour cela que nombre d’auteurs écrivent à voix haute, ou en chantonnant leurs brouillons.
C’est une excellente habitude.
Parce que ce qui sonne bien donne de meilleures chansons. Tout simplement.

A titre d’illustration et dans un double contre-emploi, je vous propose de (re)découvrir la poétesse Samantha Barendson, qui « écrit à voix haute », accompagnée par Kent… lui aussi aux crayons !
Attention c’est assez ardu et ça dépasse un peu les limites de la chanson.
Oui mais moi j’adore !

Accessoirement, ce qui sonne bien se retient mieux.
Et pour vos chansons, la mémoire de l’auditeur est votre meilleure alliée.

À vous de jouer !

Allez, je ne vais pas vous laisser repartir sans faire un petit travail (utile!).
Voici un petit exercice simple et amusant à faire en moins de 10 minutes :

Choisissez 3 mots évocateurs dont le son imite l’action (exemples : grincer, claque, lisse/glisse, cliquetis…).

Écrivez une mini-histoire de 4 lignes en intégrant ces 3 mots.

Puis transformez cette mini-histoire en un refrain de chanson : vous gardez le même sens, mais vous rendez les phrases plus « musicales » (jouez sur le placement, le rythme, la répétition, les rimes simples, bref dépatouillez-vous!).

Un petit conseil ? Allez-y mollo quand même :
👉 Trop de mots durs à la suite, et votre texte devient agressif.
👉 Trop de mots doux, et il manque de nerf.
L’idée, c’est de composer une mélodie de sons, en écho à la mélodie des notes.

Option bonus 🎁 pour ceux qui en demandent toujours plus : remplacez un mot banal par une expression imagée détournée.
Par exemple, au lieu de dire « ses larmes », vous pouvez dire un truc du genre « la pluie de ses regrets ».

Comme toujours, vous pouvez publier votre production en commentaire.

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En conclusion

Les mots ont des textures, des couleurs, des poids, des sons.

Certains sifflent, d’autres grincent… ou caressent.
Apprenez à les écouter autant qu’à les écrire.

En chanson, vos mots sont des instruments.
Alors à vous de jouer !

Vive les mots, et

Vive la chanson !

L’écriture a mille visages. Elle peut libérer, surprendre, choquer, inventer…
Et si tous les chemins mènent au stylo, tous ne mènent pas à la chanson. Aujourd’hui, je vous propose une petite cartographie pour y voir plus clair entre écriture de chanson, écriture thérapeutique et écriture automatique.
Trois pratiques, trois intentions… et des frontières qu’il faut bien garder en tête.

Trois écritures vraiment différentes

L’écriture thérapeutique : s’alléger, se libérer

Certains auteurs amateurs pratiquent l’écriture thérapeutique et l’utilisent pour faire des chansons.
L’écriture thérapeutique, c’est celle du journal intime, du carnet secret, de la confession sans filtre.

On y jette ce qui déborde, allez hop : chagrins, colères, angoisses, joies intimes… C’est une écriture-soupape, qui vise le mieux-être. Et ça marche !

Enfin, ça marche… pour se libérer de ses tensions !
Parce qu’en aucun cas ça ne fait de bonnes chansons !
Car elle n’est destinée à personne… parfois même pas à soi-même ! Ou alors plus tard !
Hé non : il manque tout ce qui fait l’essence de la chanson : le partage avec autrui, l’expression d’émotions, l’universalisme, les codes communs…

Il manque aussi aussi les contraintes chansonnières tels que les rimes, le phrasé ou la métrique.

Finalement, en écriture thérapeutique, il n’y a pas de style à s’imposer, pas de forme à respecter : l’important, c’est d’écrire…
Mais la conclusion vient d’elle-même : ce n’est PAS de l’écriture de chanson.

L’écriture automatique : la surprise de l’inconscient

Autre approche chez certains auteurs, l’écriture automatique.
Venue du surréalisme, l’écriture automatique consiste à écrire sans réfléchir (et n’allez pas dire que c’est ce que je fais dans mes articles, hein?).

En écriture automatique, on laisse la plume courir, sans contrôle, sans relecture, sans jugement.
On écrit comme ça, de façon erratique, sans règle ni limite…

Le résultat est souvent étrange, poétique, parfois abscons, mais parfois aussi fulgurant.

Certains coaches s’appuient même sur cette « méthode » pour proposer à leurs élèves de créer facilement.
Bon.

Ça me coûte un peu de contredire mes pairs, mais globalement, ce n’est pas comme cela qu’on fait de bonnes chansons (ou alors sur un gros malentendu!).

Car si l’on résume, l’écriture automatique est une écriture de l’instinct.
Et elle peut parfois offrir des pépites… mais quand cela arrive, c’est toujours un peu par hasard, et sans réelle intention artistique… et surtout, c’est à retravailler ensuite.

Car là encore, aucun des éléments indispensables à une chanson n’est présent, que ce soit sur le plan de l’intention artistique ou sur le plan technique.
La seule exploitation possible consiste à « picorer » d’éventuelles et fortuites étincelles pour le travailler ensuite.
Hum. Pour trouver l’inspiration, on a connu mieux.

L’écriture de chanson : le fond, mais aussi la forme

Et puis il y a l’écriture de chanson proprement dite.
Et là, tout change : Contrairement aux deux écritures précédentes, on écrit pour être écouté, pour être compris, pour être chanté.

Et cela implique des contraintes : le rythme, la rime, la mélodie, la durée, la structure.
Et puis il y a aussi un public. Et donc, une responsabilité.

L’émotion y est bienvenue, bien sûr. Mais elle doit être travaillée, sculptée, rendue partageable.
Il ne suffit pas de dire « je souffre » pour toucher : encore faut-il que l’autre puisse s’y reconnaître.

Et ça c’est du travail. Beaucoup de travail.
Mais comme vous le savez, le talent, ça s’apprend, non ? 😉
Et c’est pour ça qu’on est ici !
Alors, écriture thérapeutique, écriture automatique, on oublie ? Non !
Ne jetons pas le bébé avec l’eau du bain. Lisez plutôt la suite.

Ce qui relie ces trois pratiques

Pourquoi est-ce que je vous parle de ces types d’écriture s’ils ne nous concernent pas ?
C’est parce qu’il y a des ponts qui relient tout cela !

Nombre de chansons naissent d’une émotion forte (écriture thérapeutique) ou d’un surgissement d’images et de mots (écriture automatique).

C’est même souvent un excellent point de départ.
Mais à un moment, il faut prendre la main.

Structurer. Sélectionner. Réécrire. Le flou doit devenir limpide.
Le cri doit devenir chant.

La chanson, c’est la rencontre du brut et du ciselé.

Piégés par leur nombril !

Le truc, c’est ne ne pas se faire piéger par son nombril !
Quel est le plus gros défaut chez les auteurs débutants ?
C’est de confondre sincérité et repli sur soi.

Ils racontent leur vie et leurs pensées, petites ou grandes, sans se soucier d’intéresser l’auditeur, ni même d’être compris.

Or, la chanson, même très personnelle, n’existe que dans l’écho qu’elle trouve chez l’autre. L’émotion ne suffit pas. Il faut un angle, une forme, une distance — parfois même un détour poétique — pour qu’un ressenti devienne une chanson.

Le public est votre partenaire, pas votre confident !
Il ne faut jamais l’oublier lorsqu’on écrit.
…ni lorsqu’on compose d’ailleurs.

Pour cela, il y a une méthode, des techniques, une approche.
Et c’est ce qu’on travaille ici, justement ! Alors au boulot !
C’est juste en dessous !

À vous de jouer !

Pour apprendre à bien vous positionner, je vous propose un petit exercice pour expérimenter les trois approches :

1. Écriture thérapeutique (10 minutes)

Prenez une émotion forte (récente ou ancienne). Sans vous censurer, écrivez ce qui vous vient. Peu importe la forme, allez au plus direct.

2. Écriture automatique (5 minutes)

Posez votre stylo sur le papier (ou vos doigts sur le clavier) et écrivez sans vous arrêter, même si cela n’a aucun sens. Laissez venir ce qui vient.

3. Écriture de chanson (15 à 20 minutes)

Reprenez une phrase, une idée, une image issue des deux premiers exercices, et commencez à la transformer en couplet ou en refrain. Cherchez le rythme, la musicalité. Imaginez que quelqu’un doit vous écouter… et avoir envie de chanter avec vous.

Et vous pouvez même nous donner votre résultat en commentaire !

Avant de se quitter

Je vous rappelle que vous pouvez rejoindre le groupe facebook des Auteurs, Compositeurs et Interprètes francophones de l’Académie de la Chanson. Il suffit de cliquer ici.

Vous pourrez y retrouver nos articles, publier vos oeuvres, échanger, et trouver des conseils.

En conclusion

Soyez sincère, mais exigeant !

Écrire une chanson, ce n’est ni une séance de psy, ni un exercice d’improvisation surréaliste.

C’est un travail d’artisan sensible :
on part d’un matériau brut, souvent intime,
puis on le polit, on le taille, pour qu’il touche au-delà de soi.

Alors oui, à un moment, il faut savoir « ouvrir les vannes ».
Mais souvenez-vous : une chanson, c’est un cadeau que l’on offre à autrui.
Et pour qu’un cadeau fasse mouche, il faut penser à celui qui le reçoit.

Vive la sincérité, Vive le travail, et

Vive la Chanson !

Quand on commence à écrire des chansons, on a toujours envie ressembler à ceux qu’on admire. Mais voilà : écrire comme Brel, Brel l’a déjà fait.
Or vous, vous êtes vous. Et ça c’est une vraie chance !
Parce que votre singularité, c’est votre force! Et on va la retrouver dans votre style !
Le style d’écriture est bien plus qu’une manière de tourner les phrases : c’est la façon dont vous regardez le monde et dont vous le rendez chantable.

Le style d’écriture, c’est quoi ?

On va commencer par ce que ce n’est PAS !
Le style, ce n’est pas le genre : rock, folk, slam, que sais_je…
Ce n’est pas non plus le thème : l’amour, l’exil, la métaphysique ou le camping…
Non.

Le style, c’est la manière.
C’est la patte.

Le choix des mots, des images, du rythme verbal…
Le type de vocabulaire ou de niveau de langue…

Le style, c’est votre personnalité qui s’exprime à travers la « musique des mots ».

On peut écrire une chanson d’amour avec lyrisme ou dérision, avec délicatesse ou cruditude.
Qu’importe…
C’est le style qui fait la différence.
Et vous, votre style, c’est quoi ?

Les différents styles d’écriture

Allez, comme d’hab’, on va faire hurler les puristes, parce qu’on va faire simple pour bien comprendre !
Voici, un peu à la louche, quelques styles d’écriture parmi les plus représentatifs.

Le style poétique et évocateur

C’est celui des images, des métaphores, de la beauté formelle. Il invite à l’interprétation.
On se lâche avec élégance, en autorisant son esprit à vagabonder.

Comme par exemple Barbara (« L’aigle noir »), Alain Bashung (« Madame Rêve »), Julien Clerc (« Femmes, je vous aime »)…

Le style brut et direct

Ici, pas de fioritures : on va droit au but. C’est la sincérité directe qui prime, voire la familiarité.
Une façon de nous interpeller sans aucun filtre.

Comme par exemple Renaud (« Manu »), Bénabar (« Le dîner »), Grand Corps Malade (« Romance sans paroles »)…

Le style littéraire

A l’opposé du précédent, le style littéraire nous propose une approche plus réfléchie. Inspiré de la prose ou de la grande poésie. Il joue avec les registres, les références, les allusions.
Un truc d’intello, quoi !

Comme par exemple Léo Ferré (« Avec le temps »), Dominique A (« Le courage des oiseaux »), Jeanne Cherhal (« Un couple normal »)…

Le style humoristique ou ironique

Attention, ce n’est pas la grosse rigolade de fin de soirée ! Léger mais pas aussi simpliste qu’il en a l’air, l’humour cache bien son jeu.
Car il est souvent un masque… ou une arme !

Comme par exemples Oldelaf (« La tristitude »), Vincent Delerm (« Tes parents »), Philippe Katerine (« Louxor j’adore »)…

Le style incisif et rythmé

Il nous envoie des flashes et des impulsions, mais il fait bien plus que nous inviter à danser !
Le style incisif délivre souvent des messages forts.
Son écriture rythmée, souvent ancrée dans l’urgence ou la colère porte en elle une énergie qui peut être celle du désespoir.

Comme par exemple Oxmo Puccino (« L’enfant seul »), Stromae (« Formidable »), Anne Sylvestre (« Une sorcière comme les autres »)…

Le style minimaliste

Moins, c’est mieux.
Quelques mots suffisent parfois à porter de grandes idées.
Le minimalisme joue avec le non-dit, les silences, ou les redites assumées.
Un travail délicat et souvent sous-estimé.

Comme par exemple Francis Cabrel (« Je t’aimais, je t’aime, je t’aimerai »), Pomme (« Grandiose »), Souchon (« Allô maman bobo »)…

Le style, ça fait tout !

Le style, c’est ce qui définit l’artiste.
On l’a bien compris, mais nous, qu’est-ce qu’on fait avec ça maintenant ?
Eh bien bonne nouvelle : votre style, vous l’avez déjà ! Et DU style, vous en aurez bientôt !
Et pas besoin de prouesses techniques pour cela !
Parce qu’une chanson, ce n’est pas une démonstration : c’est un lien.

On l’a compris, ce n’est pas la perfection technique qui touche le public ! Non.
C’est une façon d’écrire singulière, une voix reconnaissable, bref, c’est votre signature.

Alors, que vous le vouliez ou non, vous allez l’assumer. Et donc le travailler.
Car oui, le style se peaufine. Peu à peu, en écrivant. En écrivant encore et encore.
En relisant, en écoutant, en modifiant, en coupant, en affinant.

Bref, en osant créer. Alors OSEZ !

Les pièges à éviter

Avant toute chose, il convient d’éviter les trois principaux pièges qui nous guettent tous.

• Imiter.
  Tout le monde est d’accord : Brassens, c’est génial, et ça le restera toujours !
  Alors pourquoi ne pas faire « à la façon de… » ?
  Mais voilà : écrire en 2025 comme en 1955, hum… ça sent le réchauffé et le manque de personnalité !
  Donc on garde le Grand Georges pour nos soirées au coin du feu, et nous, on fait nos propres chansons !
• En faire trop.
  On a toujours envie d’en faire des tonnes !
  Mais l’élégance, ça n’est pas la démonstration : c’est plutôt savoir viser juste !
  Alors on laisse de côté l’étalage de confiture pour les petits déjeuners dominicaux, et on affine son viseur.
  Travailleur oui, besogneux non.
• Croire qu’il faut « faire comme » pour être pris au sérieux.
  Votre style, c’est votre style ! Combien de fois ai-je entendu « ah lui, on dirait du Souchon » ou « C’est un peu comme Cabrel ».
  Qu’elles soient positif ou négatif ces remarques ne doivent pas nous influencer.
  Pas besoin de validation extérieure : votre style n’appartient qu’à vous. Il existe et c’est tout!
  Et s’il est encore imparfait, c’est qu’il vous faut encore l’affiner, tout simplement !

A propos d’affiner, si on se mettait un peu au travail pour finir ?

À vous de jouer ! le 3×3

Pour ce petit jeu, vous allez choisir un thème.
Mais attention : pas n’importe quel thème : n’importe quel thème !
Mais qu’est-ce qu’il dit ?
Je vous demade de choisir un thème banal. Donc pas un grand sujet de société !
Hein ?!? Un thème BANAL ? Mais pourquoi banal ?

Parce qu’on va tester plusieurs styles d’écriture, et que la banalité du thème permettra de ne rien induire au départ !
Ce n’est pas lui qui va vous piéger, mais vous qui allez jouer avec lui.
Ne vous lancez donc pas dans un « grand thème », faites simple : le café du matin, un trajet en bus, une pluie fine…

Vous l’avez ? Bien. Alors à vos stylos!

Sur le thème choisi,
écrivez 3 fois 3 vers dans 3 styles différents :

1. Poétique : avec images, rimes, et musicalité.
2. Brut : en langage parlé, sans enjolivement.
3. Ironique : avec humour ou décalage.

Faites un petit tercet dans chacun des styles. Vous pouvez même le publier en commentaire.
Puis comparez les effets. Lequel vous correspond le mieux ? Lequel vous donne envie d’aller plus loin ?
Vous êtes-vous découvert des qualités que vous ne vous connaissiez pas encore ?

Avant de se quitter

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Vous pourrez y retrouver nos articles, publier vos oeuvres, échanger, et trouver des conseils.

En conclusion : cultivez votre différence

Votre style d’écriture n’est ni un bagage ni un diplôme : c’est une aventure !
Il évolue, se déploie, s’affine. Et surtout : il vous ressemble !

Alors ne cherchez pas à être dans la norme : soyez dans votre norme.
C’est là que votre voix se déploie, et que vos chansons deviennent inimitables.

Et si vous voulez vraiment changer quelque chose, c’est simple :
Restez vous-même… en mieux !

Bonne écriture, avec style bien sûr, et

Vive la Chanson !

Le secret de Cabrel

Francis Cabrel se présente lui-même comme un besogneux.
Quand la plupart des paroliers se cantonnent dans la « rime suivie », c’est-à-dire « AABB », il crée des chansons différentes, qui nous surprennent au détour de chaque phrase, et qui se marient parfaitement avec la musique… et qui trouvent leur public à chaque fois !
Et pourtant, il utilise parfois des techniques simples et efficaces, dont vous pourrez vous inspirer pour vos propres chansons !

Car il y a des fois où le grand Francis ne se complique pas la vie, et pourtant, ça sonne !
Allez, on décrypte ses deux techniques les plus faciles !

1. La monorime

La monorime, c’est comme chez le docteur : il faut faire
« AAAAAAAAAAA »
En clair, pas de rimes ABAB, comme dans Les rimes croisées (lien vers l’article)
ni de AABBXX comme dans Les rimes refrain (lien vers l’article) Non.
Juste des rimes AAAA :
Quoi, « AAAAAAAAAAA » ? Toujours la même rime, du début à la fin ?
Mais c’est un truc de débutant ça, non ?

Et bien pas toujours ! C’est vrai, trop souvent la monorime est utilisée faute de mieux, sans intention et par manque d’imagination. Et c’est très maladroit.

Mais quand cette répétition obstinée d’un même son est là par choix, elle peut créer un effet de répétition, d’enfermement, d’obsession…

…ou un sentiment d’infini, comme dans « Je t’aimais, je t’aime, je t’aimerai »

Il fallait oser, non ?
Ici, on est complètement happé, transporté par cette rime en [ɛ]

Si vous voulez en savoir plus sur cette chanson, allez ici :
« On connait la chanson : Je t’aimais, je t’aime, je t’aimerai »,
vous verrez tout ce que Cabrel parvient à tirer de cette technique simple.

Sinon, on passe à la suite : la rime sénée !

2. La rime sénée

Alors, la rime sénée, c’est idéal pour faire le malin en société : Vous allez laisser votre entourage bouche-bée !

Oui, mais concrètement, c’est quoi ?
Ben heu… C’est simplement quand une rime est placée en début de phrase.
Comme ce mot « Quand… » qui débute de nombreux vers de « La dame de Haute-Savoie ».

Vous voyez que, outre la répétition supplémentaire que cela crée (vous savez à quel point la répétition est importante en chanson), cela produit un effet d’écho et de structuration du texte.
Comme l’écho des montagnes de Haute Savoie.
Encore une fois, bien vu Cabrel !

3. Et le sens, dans tout ça ?

Quand on quitte la forme pour s’intéresser au sens, on se rend compte que les thèmes abordés par notre Francis national sont plutôt basiques.

Ici, pas de grand sujet de société, d’histoires complexes ou de pensées sombres.
Mais pourquoi ?

A cela, trois (bonnes) raisons :

La première c’est que les techniques d’écriture sophistiquées créent une contrainte d’écriture forte  qui complexifie la rédaction. Eh oui : la forme limite naturellement le nombre de mots disponibles… et donc la marge de manoeuvre sur le fond.

La seconde, c’est que si l’on rajoute à une forme complexe un propos difficile à suivre, on risque non seulement d’avoir du mal à rédiger, mais surtout de noyer l’auditeur sous une surcharge d’informations… et de le perdre !

La troisième raison, qui est le bon côté des choses, c’est que cela ouvre la porte à une rêverie très poétique, favorisée par l’organisation des rimes.

Alors ne boudons pas notre plaisir, et faisons simple !

À vous de jouer !

Nous avons vu aujourd’hui deux techniques simples adoptées par Francis Cabrel.
Comme toujours, ces techniques, vous pouvez les appliquer à vos propres chansons.

Je vous propose de vous essayer à la rime sénée.
Vous verrez que c’est non seulement c’est simple, mais c’est également une source d’inspiration.

1) Prenez un gimmick
« A la mer », « Je me souviens » « Quand j’avais 20 ans » ou tout autre début de phrase.

2) Répétez-le au début de chaque vers (ou un ver sur deux), et…

3) laissez-vous aller, tout simplement !

Vous pouvez même utiliser la monorime comme le fait Cabrel pour vous simplifier la tâche !
Et vous allez voir, ça vient tout seul !

Allez, osez : écrivez un quatrain et publiez-le en commentaire !

Avant de se quitter

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En conclusion

Vous le voyez, même le grand Francis Cabrel, orfèvre de la rime, s’autorise parfois des structures d’une grande simplicité ! Est-ce que cela nuit à ses chansons ? Pas du tout !
Prenons exemple sur lui : soyons modestes et géniaux, et assumons des textes simples !

Comme Cabrel nous rimons
Comme Cabrel nous écrivons
Comme Cabrel nous chantons :

Vive la Chanson !

Le secret de Cabrel

Quand la plupart des paroliers se cantonnent dans la « rime suivie », c’est-à-dire « AABB », Francis Cabrel, lui, va explorer de nouveaux territoires.
Le résultat ? Des chansons différentes, qui nous surprennent au détour de chaque phrase et qui se marient parfaitement avec la musique.
Et pourtant, Francis Cabrel le dit lui-même : Il n’a aucun génie. En revanche, c’est un besogneux !
Dans cette série de trois articles, je vous montre comment vous approprier les techniques du grand Francis pour vos propres chansons !
Dans ce second volet, nous parlerons de la RIME REFRAIN.

La « rime refrain »

La rime AABB, la plus courante en chanson, ça n’est pas trop le truc de Cabrel. Trop basique ! Lui, ce qu’il veut, c’est créer un effet par la construction même de ses rimes. Nous avons vu dans le premier volet qu’il utilise plus volontiers des rimes croisées : ABAB.

Mais là où il fait la différence, c’est avec les « rimes refrain ».
Pour cela, il a remis au goût du jour une pratique jadis courante dans le rondeau ou la ballade.

Il s’agit de terminer toutes les strophes par la même rime : c’est ça, la rime refrain.
Souvent même, il termine carrément ses strophes par le même vers, et ça s’appelle « refrain » même si ça ne dure qu’un vers.

Cette technique élégante rythme le propos, et crée une tension qui se résoud en fin de strophe.

La rime refrain de base

Dans sa version la plus simple, Francis Cabrel utilise comme tout le monde des rimes suivies, mais il plante à la fin sa banderille : la fameuse rime-refrain, que nous nommerons X :
Cela fait : AAX BBX CCX etc., comme dans « Le pays d’à côté ».

Bon, jusque-là, c’est simple. Mais bien sûr Cabrel ne va pas s’arrêter là.

La rime refrain qui sait se faire attendre

Voici une autre version avec cette fois trois rimes suivies, qui font attendre un peu plus la « résolution » de la « rime refrain » : AAAX, BBBX, CCCX, etc.
C’est dans « Le chêne liège »

L’insatiable Francis pousse plus loin :

La rime refrain en surnombre

Cette fois-ci, Cabrel propose 4 vers en rimes suivies AABB avant de lâcher deux vers supplémentaires en rimes refrain.
Cela donne AABBXX CCDDXX EEFFXX GGHHXX.
On trouve cette formule très linéaire dans les couplets de « Encore et encore », qui renforce l’effet « autoroutier » quasiment hypnotique de cette chanson.

et Cabrel de conclure le refrain par une rime orpheline :
« T’as personne devant » qui nous tire de la somnolence de ce ruban monotone.
Juste magnifique !

Mais ce n’est pas fini !

Rimes croisées + rime refrain

C’est dans son plus gros tube, « Je l’aime à mourir », que Cabrel propose la technique des rimes croisées suivies de rimes refrain.
Cela donne ABABX CDCDX etc.
Ici, les rimes croisées tissent littéralement un déroulé qui dégage une force tranquille, que conclut inéluctablement comme une évidence cette rime refrain « Je l’aime à mourir » (ou autre rime en « ir ») qui est le gimmick de la chanson.

Et là attention : on attaque du lourd :

La construction ultime

Bon, celle-ci, je vous la livre juste pour la beauté du geste, parce que c’est quand même un exploit technique :
AXAX-X BXBX-X CXCX-X DXDX-X dans « A l’aube revenant », le tout agrémenté de rimes intérieures. Costaud le Francis !

D’autant plus costaud que les rimes intérieures sont embrassées (ABBA) puis inversées (BAAB) et que la rime A n’est autre que la rime refrain (X) elle-même, ce qui donne : AB-BA AB-BA A ou XB-BX XB-BX X

X. À l’aube revenant,             B. les amants se relèvent
B. Descendent de leur rêve,   X. encore ruisselants
X. Chaque geste est urgent   B. puisque le jour se lève
B. La tempête s’achève         X. en murmures brûlants
X. À l’aube revenant…

Ce n’est plus de la chanson, ce sont des mathématiques ! J’adore ! Allez, next !

La double rime refrain

On va redescendre un peu en pression avec une formule très élégante.
Cette fois-ci, il y a deux rimes refrain : une en début de vers (X), l’autre en fin de vers (Y).
Ce qui donne la formule XAAY XBBY, comme dans « Je pense encore à toi ».
Dans le propos de la chanson, le personnage est littéralement enfermé dans ce « Je pense encore à toi » qui conclut immuablement et en toute circonstance la strophe.

Je trouve qu’avec toutes ses formules, Cabrel fait un peu le mariole, non ?

Je ne sais pas pour vous, mais moi je fatigue un peu !
Pas vous ? Alors on en reste là pour cette fois-ci, et vous verrez dans le troisième volet de ce triptyque que la suite est plus facile ! On y parlera de monorime et de rime sénée.

À vous de jouer !

Pourquoi je vous raconte tout ça ?

Vous vous en doutez : c’est parce que toutes ces techniques, vous pouvez les appliquer à vos propres chansons.
En commençant par les plus simples bien sûr.

Et vous allez voir que cela va sublimer vos textes !

Si vous commencez par la musique

C’est tant mieux : Avant même de commencer à écrire votre texte, vous pourrez organiser vos rimes pour qu’elles mettent mieux en valeur votre mélodie.

Pour cela, comptez les pieds de chaque vers de votre chanson, et numérotez-les.

Ecrivez votre mélodie sous forme de numéros.

Puis voyez la structure de rimes que vous mettez en place. Il ne vous reste plus qu’à respecter le schéma pour écrire !
Pour mieux comprendre, voici ce que donnerait le début de « Je l’aime à mourir »

A. 1 2 3 4 5 (rime en A)         (moi / je / n’é / tais / rien)
B. 1 2 3 4 5 6 (rime en B)       (et / voi / là / qu’au / jour / d’hui)
A. 1 2 3 4 5 (Rime en A)         (je / suis / le / gar / dien)
B.  1 2 3 4 5                            (du / so / mmeil / de / ses / nuits)
X. 1 2 3 4 5—                         (je / l’ai / me à / mou / ri–r)

Si vous commencez par les paroles

C’est tant mieux aussi : les effets tels que la rime refrain sont toujours jolis, quelle que soit la mélodie qu’on met dessus. Utilisez-les !
Et vous verrez qu’elles vont même contribuer, par leur musicalité, à vous inspirer des mélodies nouvelles !

Avant de se quitter

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En conclusion

Sans aller jusqu’à la sophistication de Cabrel, poussée au point de pouvoir paraître parfois besogneuse, (on le verra dans le dernier volet), pensez à anticiper la forme de votre versification avant même de commencer à rédiger : c’est le gage d’un propos efficace !
Une petite strophe croisée ABAB avec double rime refrain XX pour finir ?
Allez, on se lance !

A. J’aime les rimes,
B. Les notes, les mots
A. Quand tout s’arrime
B. Quand tout est beau
X. J’aime les sons…

X. Vive la Chanson !